William Friedkin es el hombre responsable de la que se conoce como la mejor película de terror de todos los tiempos: The Exorcist, aquella mítica cinta que dejó sin aliento a millones de espectadores alrededor del mundo e incluso hoy se mantiene como un clásico triunfante sobre el paso del tiempo. Cualquiera hubiera pensado que la carrera de este realizador se estancaría en el género después de semejante éxito. Y aunque dejaría el terror a un lado, sus filmes continuarían siendo sombríos, descorazonados e inciertos.

Una serie de brutales asesinatos sumados a partes de cuerpos encontradas en el río alertan al departamento de policía de Nueva York. Las víctimas son identificadas como homosexuales que frecuentaban los bajos mundos del sadomasoquismo. Steve Burns (Pacino) recibe la tarea de encubrirse como un hombre gay para adentrarse en el sórdido ambiente nocturno y atraer al responsable de los crímenes (ya que Burns cubre el patrón físico de las víctimas). La asignación parecerá fácil al principio, hasta que Burns se hunde demasiado en su papel y comienza a cuestionar no sólo su sexualidad, sino su salud mental.

Originalmente iba a ser dirigida por Brian De Palma, quien acabó trabajando en Dressed to Kill (otro clásico nostálgico). Así la dirección pasó a Friedkin quien ya había explorado el tema gay en 1970 con The Boys in the Band. En 1987 regresaría al estudio del asesino serial con Rampage. En Cruising estos dos elementos se mezclan. Por un lado nos involucra en la cultura neoyorkina del sadomasoquismo a finales de los setenta. Por el otro crea el misterio del asesino serial. Todo va mezclado con un rollo detectivesco muy parecido a The French Connection lo cual ayuda a consolidar el filme como un thriller al estilo Friedkin.

El guión firmado por Friedkin, está basado en una novela escrita por el reportero del New York Times Gerald Walter. Muchos elementos de la historia son verídicos. El detective Randy Jurgensen (quien tiene un papelillo en la película) sí se hizo pasar por un homosexual para dar con un par de sujetos que extorsionaban a la comunidad gay en Manhattan e incluso cometieron una serie de asesinatos. Otra anécdota contada por Friedkin fue el asesinato de un crítico homosexual. El responsable, Paul Bateson, curiosamente había aparecido en The Exorcist lo cual le dio la oportunidad al director de charlar cara a cara con un verdadero asesino.

El elenco cuenta con Al Pacino en un papel inusual para su filmografía. Nos hemos acostumbrado a visualizarlo como un tipo duro al borde del cliché. Pero en Cruising, es el policía novato que poco a poco es devorado por su nueva misión. Paul Sorvino interpreta al capitán de la fuerza, un hombre frío y casi indiferente a los asesinatos que sólo busca hacer su trabajo. La guapa Karen Allen sale de la pobre novia confundida en un papel bastante pequeño. Friedkin recurre a personajes reales una vez más, Randy Jurgensen y el mismo Sonny Grosso (el original Buddy Russo de The French Connection) interpretan pequeños papeles de detectives. La mayoría de los extras en los bares gay, eran efectivamente de la comunidad gay.

Cruising no es un filme de terror. De hecho, pocos elementos podrían destacarlo en este género. Sin embargo, me pareció que el tema del asesino serial es una excusa suficiente para incluirlo en el blog, ya que los momentos de suspenso no intentan asustarte, son enteramente para que los analices y llegues a conclusiones propias. La situación terrorífica se irá perdiendo en el estudio del personaje de Pacino, ahora el espectador se introducirá en un mundo psicológico dejando de lado el peligro del asesino y la brutalidad de sus crímenes.

La atmósfera del filme es en verdad sórdida y realista. Aparentemente Friedkin y su equipo sí frecuentaron los bares gay de la época en un intento por hacer genuinos los escenarios y circunstancias. Las calles de noche llenas de estos personajes entallados en cuero y cadenas que son prácticamente idénticos entre sí son otro aspecto terrorífico en mi opinión. La fidelidad del filme puede ocasionar que algunos espectadores se sientan incómodos a la hora de presenciar ciertas escenas.

Pese al renombre del director y teniendo a Al Pacino como protagonista, el filme no vio mucho éxito ni con la crítica ni con el público. Ciertamente es una película que expone la escena gay del sadomasoquismo. A finales de los setenta esto no pudo ser muy buena idea para un filme comercial, ese tipo de escenarios se limitaban a producciones independientes o underground (la mayoría de la cinta se siente casi como una película de bajo presupuesto).

La controversia fue otro de los factores que no le dieron buena publicidad al filme. Resulta que durante el rodaje, el equipo se vio boicoteado por distintos grupos gay que alegaban “homofobia” por parte de los realizadores. Dichas personas llegaron incluso a interferir con la filmación interponiéndose entre escenas. Cuando finalmente se estrenó la película, los grupos regresaron en su afán por boicotearla. Estoy seguro que ni siquiera sabían de qué trataba la película. Recordemos que en las películas de Friedkin, nunca hay un ganador.

Para llamar a Cruising un filme homofóbico, de verdad tienes que ser un completo imbécil. La película se limita a enseñar un mundo bajo ciertas circunstancias. En mi opinión, llega hasta abogar por los derechos de los homosexuales en algunas partes exponiendo el trato que reciben por la policía y la sociedad. Pero la intención no era hacer una película sobre los derechos gay, al final es un profundo estudio psicológico con un asesino serial que anda por ahí matando homosexuales. Obviamente ninguna película con sentido común se iría del lado del asesino, Cruising estudia muy bien la reacción social cuando la víctima es considerada un “paria” social. En ese caso, hasta podría considerarse una denuncia.

Con un soundtrack lleno de punk y hardcore, este filme triunfa en muchos sentidos. Sin embargo al final algunos pueden quedar descontentos o confundidos. Estoy seguro que más de uno puede llegar a incomodarse por ciertas escenas que retratan prácticas sadomasoquistas bastante crudas, ahí sí recomendaría un poco de criterio y si por alguna estúpida razón eres homofóbico, mantente lejos de esta película, o bien, vela para que se te quite lo intolerante.

En conclusión, Cruising es una cuestión de gustos, una película demasiado cruda, hostil e incierta, pero al mismo tiempo intrigante, bien hecha y muy distinta. Vale la pena que le echen un ojo a uno de los papeles más extraños de Al Pacino (si lo quieren ver vestido de cuero). El DVD está disponible bajo el título de Encrucijadas y lo sacó la Warner Bros. O bien, si de plano eres muy codo y muy geek, la puedes encontrar completa en YouTube dividida en diez partes. Véanla, disfrútenla y discútanla.

“This is the Zodiac speaking…”

No pude resistir empezar con la épica sentencia que aterrorizó a los ciudadanos de San Francisco hace 40 años e incluso hoy en día, sigue siendo un misterio. ¿Quién fue el Zodiaco? Uno de los asesinos seriales más extraños e intrigantes que irónicamente, y a diferencia de muchos otros, nunca fue propiamente identificado. Fue responsable de 5 muertes confirmadas, aunque él afirmaba que el número se elevaba a más de 30. El caso, actualmente permanece como “cold case” o sea, no está cerrado ni abierto, sino incompleto y congelado.

El caso en sí es interesante, extenso y sugestivo. Los interesados se encontrarán con un dilema entre lo circunstancial y la evidencia. Por fortuna, en el 2007 alguien se molestó en retomar la misteriosa figura de Zodiac y llevarla a la pantalla grande en una de las mejores adaptaciones de casos reales a ficción como hizo Scorsese con Nicholas Pileggi en Goodfellas y Casino.

4 de Julio de 1969, Darlene Ferrin y Mike Mageau charlan en su automóvil cuando son atacados por un misterioso hombre que abre fuego matando a la joven e hiriendo a su acompañante. Días después, el San Franciso Chronicle recibe una serie de cartas del supuesto asesino quien amenaza con seguir matando a menos que el diario publique una serie de acertijos. Cuando la amenaza se cumple y otras 2 víctimas son asesinadas, la policía y los medios de comunicación toman el caso en serio y empieza una carrera desesperada por descubrir la identidad del responsable. Así nace The Zodiac, uno de los asesinos seriales más notorios de Estados Unidos quien se las arregló para burlar a la policía y los medios que tan exhaustivamente lo buscaban. Sin embargo, un joven caricaturista busca donde nadie había buscado, cayendo en una obsesión por capturar al asesino y descubrir la verdad.

Dirigida por David Fincher, quien comenzó dirigiendo videos para Madonna y debutó con Alien³, seguida de Se7en (una de sus películas más reconocidas), The Game, la famosísima Fight Club, Panic Room y su multi-nominada última película The Curious Case of Benjamin Button. A pesar de su escasa filmografía, Fincher ha demostrado una buena mano a la hora de escoger proyectos, e incluso lo han encasillado en el género de thriller o suspenso. Zodiac tiene todos los trademarks del director. Sin embargo, no obtuvo el reconocimiento merecido y pasó casi desapercibida.

El guión viene firmado por James Vanderbilt, también responsable de Darkness Falls, Basic y The Rundown, películas que ni siquiera se le acercan a Zodiac. Lamentablemente aún tengo pendiente leer la novela de Robert Graysmith, pero el guión me pareció bastante bueno debido a todos los personajes que involucra y el desarrollo fluido de la historia (aunque muchas personas se quejaron porque la película dura dos horas y media).

Todos los personajes que aparecen en la película son (algunos fueron) personas reales. El elenco, muy bien cuidado por cierto, incluye a Jake Gyllenhaal, Mark Ruffalo, Robert Downey Jr., Anthony Edwards, Chloë Sevigny, Elias Koteas y John Carroll Lynch. La recreación de la época, sumada con las actuaciones hace impecable la veracidad de la historia e incluso se siente como un documental. Otro aspecto importante es la música, sigan las canciones de cerca cuando la vean.

Zodiac es una excelente película, posiblemente mi favorita de David Fincher. Ingeniosamente se divide en tres partes. La primera nos plantea el problema, enseñándonos los asesinatos, comenzando el misterio desde la perspectiva de los medios de comunicación (el diario San Francisco Chronicle). Se corre la voz, un asesino en serie está en busca de víctimas al azar. Fincher hace un amplio énfasis de la cobertura que los medios dieron al problema, después de todo el asesino se comunicaba enviando cartas a los periódicos. Esta primera parte recuerda mucho a All the President’s Men.

La segunda parte involucra la perspectiva  policial, sobretodo a los principales encargados del caso; Dave Toschi (Ruffalo) y Bill Armstrong (Edwards). Aquí la historia se convierte casi en un thriller al estilo Fincher, conforme las pistas emergen el asesino se hace omnipresente pero logra evadir a las autoridades. Como espectador, permaneces pendiente de la investigación esperando que algo concreto salga. Ahí, el asesino cumple un papel importante, pues tanto en la película como en la vida real, el Zodiaco, logró eludir y confundir a las autoridades.

Finalmente, el tercer acto es desde la perspectiva de Robert Graysmith (Gyllenhaal), en ese entonces, caricaturista del Chronicle, quien eventualmente se convirtió en un detective amateur y especialista en el caso (escritor del libro en el que se basa la película). Fincher nos hace parte de la obsesión del personaje por descubrir al asesino y nos somete a interesantes situaciones que ponen en duda ¿hasta donde llegarías por saber la verdad y demostrarla? Un dilema interesante que mantiene la última esperanza por atrapar al asesino. Aquí, todas las subtramas se unen, pero eso no quiere decir que el misterio esté resuelto.

A diferencia de otras adaptaciones criminales, Zodiac no es una película sensacionalista, si no todo lo contrario; es un filme altamente informativo de un tema incómodo para muchas personas. Las víctimas del asesino se mostraron escépticas al principio, pensando que era simplemente otra película hollywoodense que exageraba los hechos  y glorificaba la figura del asesino. Mientras muchas películas caen en este bache, Fincher logró que su película fuera una de las excepciones haciendo un trabajo serio, apegado a los hechos, en el que el espectador es informado y queda con la última palabra. En cuanto al mítico Zodiac, existen otras películas basadas en sus crímenes, pero ninguna se le acerca a esta versión.

Aunque este blog se enfoca en películas de terror, Zodiac no califica como una, a pesar de varias escenas francamente aterradoras (como el sótano de Vaughn o el asesinato en el lago). La figura del asesino serial se ha consolidado en el cine de terror engendrando cosas buenas y malas. Si vas a ver Zodiac pensando que es la típica película churrera de un asesino loco que está “basada en hechos reales” (últimamente eso está de moda), pues mejor prepárate, acabarás decepcionado o bien, como me pasó, terminarás sorprendido. Es una lástima que no haya recibido la misma atención que otras obras de Fincher, por fortuna el mercado del DVD se encarga de rescatar las películas de taquilla e inmortalizarlas en un estante.

Zodiac es una película que involucra al espectador con los personajes, la situación y la historia en general. Es imposible que no investigues sobre los asesinatos después de ver la película, y cuando lo haces, te das cuenta de lo concreto y profesional que fue el trabajo de todos los involucrados. Todos los departamentos están cubiertos al 100%, la historia por si misma es emocionante y hecha película es todavía más intrigante. En resumen, y en mi opinión, Zodiac es un filme espléndido que justifica perfectamente su duración.

Para finalizar, me tomé la molestia de juntar ciertas películas relacionadas al caso original. Supuestamente el asesino era un cinéfilo de corazón. 

-The Most Dangerous Game: supuestamente, parte de su inspiración para matar.

-The Exorcist: en una de sus cartas, aduló esta película.

-Dirty Harry: basada en el Zodiaco, quien después dijo en una de sus cartas “espero una buena película sobre mí”

-Summer of Sam: la relaciono muchísimo con Zodiac, pues los asesinatos fueron similares y la película tiene un carácter serio igual que la de Fincher.

Escrito por: Nightmare Boy

Sangre y cuchillos son un binomio aterrador. La idea de ser penetrados por esa arma filosa y desangrarse es un temor irrefutable. Desangrarse y morir solo es peor, porque no importan nuestros gritos de ayuda, nadie vendrá, nuestro destino es sufrir una muerte violenta, por demás humillante. No hay muerte digna, menos si es en manos de un psicópata. Él jugará con nuestra mente, nos torturará, y cuando estemos al límite, dará su golpe maestro. Cuando el miedo se haya apoderado de nosotros, habremos perdido ante él. Nos desangraremos. Esa es la esencia de The Strangers, excelente filme de Bryan Bertino producido en el 2007 y que apenas llegó a nuestras pantallas este año.

         Supuestamente inspirada por hechos reales (de los que no pude encontrar ninguna referencia), narra la historia de Kristen (Liv Tyler) y James (Scott Speedman) una pareja de novios que llegan a una cabaña de veraneo luego de asistir a una boda. La noche no les pinta bien. Kristen ha rechazado la propuesta matrimonial de James. Él esta deprimido. Ella se siente culpable. La cama llena de pétalos de rosa se torna fría. Y un golpe a su puerta a las 4 de la mañana complica las cosas. ¿Está Tamara en casa? pregunta una mujer extraña. James responde negativamente y le cierra la puerta.

         Es cuando él va por cigarrillos que comienza el terror. Kristen se queda sola y varios portazos la asustan. Cuando James regresa, ambos son acechados por tres extraños enmascarados que los torturan mentalmente hasta el amanecer. Uno como espectador pensaría que las posibilidades del relato están coartadas. Ellos encerrados en la casa y los extraños merodeando, no hay mucho que hacer. Bryan Bertino corrige todo esto con secuencias de suspenso efectivas gracias a la música incidental, frenéticos movimientos de cámara, planos cerrados y efectos de sonido que retumban hasta el corazón, literalmente.

         The Strangers es una lección de suspenso, de cómo hacerlo sentir y como filmarlo, algo que muchos realizadores de terror parecen no aprender. The Strangers es también una reflexión sobre el miedo y la violencia. Muchas veces decimos que ante una amenaza seriamos capaces de cualquier cosa con tal de sobrevivir, pero este filme muestra que no es verdad, que no podríamos hacer nada porque el miedo nos paralizaría, nos haría enloquecer y hacer cosas que a la postre pueden perjudicarnos.

         Miedo porque no importa si este filme estuvo o no basado en un caso real, lo que muestra es aterrador, pues vivimos con miedo, en la calle pero también en nuestras casas. En tiempos donde la violencia ha crecido, solo nos queda preguntarnos cuando seremos victimas. Ese miedo es reflejado por los dos protagonistas, indefensos ante la llegada de los extraños. También es hábilmente reflejado por el realizador; su cámara en planos cerrados y constante movimiento denota la inseguridad del propio lugar, estos personajes están encerrados en su propia casa y esa está a punto de ser su tumba.

         Por otro lado, habla de la violencia no sólo como un espectáculo de lo sanguinario, que sin duda los fans apreciamos, sino como un peligro latente. Finalmente, cuando estamos ante alguien que nos hace daño, quedamos marcados como si ese evento fuera un estigma. Estos asesinos enmascarados hacen sufrir a Kristen y James de forma mental y cuando ya se han divertido, empiezan a dañarlos físicamente, parábola de lo que hoy hace cualquier delincuente: no solo nos roban, ahora nos lastiman pues parece que hacerlo les produce una satisfacción enorme.

         Cinematográficamente, es botón de muestra del trazo aterrador de los acechadores. Sin alma, con movimientos físicos mecánicos pero muy inteligentes, siempre un paso delante de sus víctimas, son el terror encarnado y los protagonistas no pueden escapar de ellos. Así fue algún día Michael Myers, así era Henry Lee Lucas, alguna vez lo fue Jason Vorhees. Personajes aterradores como los extraños de este filme, no parodias de asesinos.

         The Strangers es la muestra de una producción bien hecha, el guion cuidado, un buen casting, buen diseño de producción, banda sonora que actúa a favor y no en detrimento del filme. Si uno es muy fijado, notará algunos errores de continuidad pero honestamente, podemos perdonarlos. Un conjunto de elementos cinematográficos que han dado como resultado un filme de terror grandioso.

         Finalmente, The Strangers es una reflexión sobre la locura. En una de las escenas culminantes, Kristen pregunta ¿Por qué nos hacen esto? La respuesta es simple: porque estaban en casa, responde una de las mujeres enmascaradas. El lugar incorrecto en el momento equivocado. Los extraños no necesitan ninguna razón, simplemente quieren alguien a quien torturar porque así es su vida. Matar los hace sentir vivos y en su locura, esa es razón suficiente.

         Ya hacia el final, los extraños cometen el último acto que nos dejará a todos sin aliento. Cuchillos en mano. Kristen y James con la sangre a punto de escurrir. La ayuda no llega. La soledad del amanecer anuncia una muerte humillante. O tal vez no. Si quieren descubrir el final, recomiendo se vuelquen sobre (y me atrevo a ponerlo así) una de las mejores películas de terror de los últimos años. Lástima que pasó desapercibida para la mayoría de la crítica. No para nosotros.

         Recién vi Funny Games, la versión original y la gringa, ambas dirigidas por Michael Haneke. Creo que tanto aquellas dos versiones como The Strangers son la muestra perfecta sobre la locura, la delineación del psicópata en el cine y la muestra de cómo filmar terror, pero más importante, como filmar el miedo. Y eso amigos, no a todos les sale bien.

Escrito por: Nightmare Boy

Algunos años atrás (muchos, a decir verdad) se erigían los grandiosos filmes de serie B que servían como acompañamiento de las grandes producciones. Eran cintas minúsculas, por así decirlo, preámbulo de algún estreno más ambicioso. Desaparecida en la actualidad, la corriente serie B ha pasado a ser algo así como la producción de películas baratas en todos los sentidos; un diseño de producción pobre, actores que en su casa los conocen, guiones mal hechos, encuadres mal planeados, en fin, una oda al verdadero trash film. La ironía es que esas carencias artísticas eran su valor primordial, de ahí que se hable de un culto a la serie B, las midnight movies que no obstante sus marcadas anomalías, eran muy divertidas.

         Ya no existen las series B ni las midnight movies. Permítanme replantear: se nos ha hecho creer que ya no existen pero no es verdad y hay dos motivos: el primero es que muchas de esas películas de antaño siguen circulando gracias al trabajo de cineclubes y fanáticos que las mantienen vivas y, segundo, que en Hollywood hay una gran crisis de ideas que ha llevado a desenterrar viejas glorias. Así es amigos, la serie B es una de ellas, pero he aquí  la segunda ironía: se trata de cine serie B con presupuesto. ¡Que gracioso! Ahora los realizadores explotan los argumentos y las carencias artísticas de esas trash movies ¡y tienen dinero para hacerlo!

         No vayamos muy lejos, fueron Robert Rodríguez y Quentin Tarantino quienes apenas hace dos años revivieron los double features con la creación del segmento Grindhouse del que se desprendieron dos grandiosos filmes: Death Proof de Tarantino y Planet Terror de Rodríguez, esta última todo un homenaje al cine serie B, contiene todos sus códigos, argumentos, iconografías, solo que no hay nada de trash en ella, al contrario, hay efectos visuales, maquillaje, labor de setting y gore en cantidades industriales gracias a la benéfica contribución de los Weinstein en la producción.

         Hablamos entonces de una sofisticación de la serie B, los creadores exploran sus códigos pero no es necesario hacerlo de manera pobre, ahora las majors pueden financiarlas pues son buenos productos cinematográficos, es decir, venden. Así pues, si en 1975 Jim Sharma entregó una locura de midnight movie llamada The Rocky Horror Picture Show, porque las nuevas generaciones no podemos tener un fenómeno igual. Darren Lynn Bousman, director de Saw II y III, es el responsable de crearlo. El filme. Repo¡ The Genetic Opera, el cual muchos ya nombran el Rocky Horror Picture Show de nuestra generación.

         No es un simple filme de terror cantado; no es un musical cinematográfico en el sentido estricto del género. Se trata de una película cuyo alcance mediático ha sido deslumbrante a pesar de que su paso por los cines ha sido limitado; se ha promovido como una serie B nueva y en cierto modo lo es. Repo! The Genetic Opera es precisamente, una ópera (obras donde el texto es cantado en su totalidad) que vislumbra un panorama futurista desolador: en el futuro cercano, una epidemia de fallas de órganos devasta al mundo, mueren millones; Geneco, empresa socialmente responsable, otorga a los desgraciados prestamos para obtener trasplantes pero deben tener cuidado de pagar, pues si no lo hacen, según la ley 98-463, serán programados para reposesión. Un asesino legal (el Repo del título) irá tras ellos para reclamar el órgano.

         ¿Por qué una cinta como esta es una serie B? No es acompañamiento de otras, ni tiene una producción pobre. La razón de que se le piense como parte de esa “corriente” es la inmediata comparación que se le hizo con el filme de Jim Sharma, por el trazo grueso de sus personajes y quizá, por la temática, paranoia futurista donde la sangre y la muerte son común denominador. Es una película que funciona perfecto para una exhibición de medianoche pero si se le quita el mote de midnight movie y se obvian las comparaciones con el show de Rocky (que advertimos de una vez por todas, no tienen nada que ver), este filme es superior.

         Como decíamos, no es un musical, pues en ellos, hay personajes que cantan ciertas partes de su historia mientras emprenden bailes coreografiados. Repo es fiel al espíritu original de las operas representadas en un teatro. El texto es cantado totalmente, la dirección de arte es barroca y muy artificial, precisamente para enfatizar el carácter teatral, las voces de los actores son ríspidas, algunas engoladas, siempre agresivas y hacia adelante, no hay coreografías vistosas salvo aquella donde Amber Sweet (Paris Hilton) canta en un callejón con un montón de prostitutas a su lado.

         Es ese carácter artificial de la producción y la exageración de todos los rasgos sus mayores atributos. Esos elementos bien pueden pensarse como una sofisticación de la serie B, si es así, entonces no es más una corriente marginada: si hay serie B en la actualidad es gracias a los nuevos directores, que visualizan grandes valores de producción, actores famosos, argumentos bien estructurados, siempre divertidas. No necesitan acompañar a otros estrenos pues pueden hablar por sí solas. Ese es el carácter trasgresor del cine de horror contemporáneo: hallar su propia voz, validarse como género cinematográfico y emprender enormes campañas de merchandising para comprobar su rentabilidad.

         Otro aspecto importante es el uso de viñetas a modo de cómic que el director utiliza para resumir ciertas líneas argumentales que de ser filmadas hubieran aumentado tiempo innecesario al filme. Dichas viñetas sirven para conocer la historia personal de tres personajes principales, así como la obertura del filme. Este elemento contribuye a la estilización artificial y exagerada de la cinta y también la hace más atractiva.

         Desde luego, no debemos olvidar lo más importante: el espectáculo de la sangre. Repo bien puede ser una opera gore; se centra en Nathan (Anthony Stewart Head, el inolvidable Giles de Buffy The Vampire Slayer), uno de los asesinos legales, y su disputa con Rotti Largo (Paul Sorvino), dueño de Geneco, cuyos hijos son un desastre. Por ello, planea adueñarse de Shilo (Alexa Vega) la hija de Nathan. El trato es que si ella mata a su padre, Rotti la heredará como única dueña de Geneco. Por su parte, Nathan, al verse en la encrucijada de matar a la ciega Mag (Sara Brightman) con tal que Rotti no revele que es él quien ha envenenado por largo tiempo a Shilo, inicia una cruzada personal donde habrá una cuenta de cadáveres inmensa.

         La trillada frase clásico instantáneo se ha dejado escuchar, pero lo cierto es que podría serlo. Repo es uno de esos filmes con la capacidad de crear un mundo propio con reglas afianzadas, estratos sociales y estilos de vida: los adictos a la cirugía, ladrones de tumbas, adictos al Zydrate, asesinos legales, farándula corrupta, todos parte de un círculo, en un mundo que literalmente se ha ido al carajo. Por ello puede convertirse en un filme de culto, por crear esos grupos organizados a los que más de un geek puede rendir pleitesía (como los padawans de George Lucas, por mencionar el ejemplo más efímero).

         Varias escenas sangrientas le esperan al cinéfilo goremaníaco: Nathan extirpa una médula al tiempo que canta al teléfono con su hija; abre el estomago de un cliente en la mesa de operaciones para sacarle tripas, hígado y corazón, Sara Brightman, después de una interpretación de opera divina, se saca los ojos antes que el Repo le de alcance y el clímax, Nathan y Shilo se enfrentan en el escenario de la opera genética, a estas alturas manchada de sangre. Tanta sangre, y uno espera más y más.

         Si visitan www.repo-opera.com, sitio oficial de la película, se darán cuenta de su alcance mediático: se programan exhibiciones en teatros selectos, eventos en vivo respecto al filme, hay comunidades de fans y uno puede elegir entre pertenecer a los ladrones de Zydrate o ser un miembro distinguido de Geneco, pueden leerse los reviews de muchas revistas especializadas, pueden descargarse imágenes, entre otras cosas. En México, está teniendo una exitosa corrida en DVD, y algunos cineclubes “especializados” en terror la han programado, como antes se solían programar las películas de serie B.

         Es por esta razón que también podría ser una película de culto; porque su fama proviene de Internet, de las exhibiciones privadas, casi clandestinas, publicidad de boca en boca. Efectos directos del poder mediático que ejerce hoy día el género de terror y que intenta dar mejores resultados. Así es, con Repo asistimos a la sofisticación de la serie B y si eso tiene par dar más, estamos esperando.

Escrito por: Nightmare Boy

Por la fuerza, un hombre aborda el automóvil al que acaba de entrar a una mujer. Él la amenaza y pregunta ¿pellizco o piquete? La mujer, esperando dar la respuesta que implique menos dolor, responde pellizco. El individuo saca unas pinzas y de golpe, le arranca uno de sus pezones. También puede suceder que alguna mujer en algún centro comercial de a los hombres la prueba de un perfume, el cual los duerme y para cuando despiertan, solos en la habitación de un hotel, les falta un riñón. Supuestamente será vendido en el mercado negro.

         La mayoría habrá escuchado estas historias; todavía hoy día se envían cadenas por Internet (los conocidos hoaxes) que advierten sobre este tipo de situaciones, pero nadie nunca otorga pruebas tangibles de tales situaciones, incluso los noticiarios que han llegado a reportar casos similares basan sus reportajes en especulaciones hechas por la misma gente, lo cual nos lleva al punto crucial ¿por qué la gente inventa tales cosas? Dejemos de lado la paranoia y miedo que abundan en los tiempos modernos gracias a la violencia, el rumor a existido siempre como forma de disfrazar miedos contemporáneos a los que no se les quiere hacer frente o bien, por morbosidad.

         Es ahí donde las leyendas urbanas cobran su fuerza, cuentos folclóricos transmitidos oralmente de persona a persona, que le han ocurrido al amigo de un amigo o al primo de un vecino, pero nunca a nadie cercano a nosotros. Existen en casi todos los lugares, hay muchas variaciones sobre leyendas específicas, cada cultura les adhiere sus propias figuras míticas para disfrazar preocupaciones latentes en sus comunidades.

         Ahora bien, es cierto que hay asesinatos, asaltos, violaciones, la prensa se encarga de hacérnoslo saber pero la diferencia de esos hechos con las leyendas es que estas últimas siempre presentan similitudes en el corpus, como si se tratase de algún serial televisivo, pero solo se sabe de eso gracias al rumor y no porque consten en algún documento oficial. Nada que decir cuando estás historias incluyen fantasmas, duendes, demonios u otras manifestaciones que ni Carlos Trejo, nuestro propio cazafantasmas mexicano, ha podido comprobar. Y aún así, son tan interesantes que el cine ha visto un nicho narrativo en ellas.

         Ya en 1992, Bernard Rose abordó la cuestión de las leyendas urbanas en su magnífica Candyman, adaptación del cuento de Clive Barker. En el filme, uno de los personajes, Trevor, profesor universitario, explica en una clase que las leyendas urbanas expresan el folclore de la modernidad y el entorno en que se desenvuelven todas las sociedades. Pero mientras este filme explota únicamente el mito del caramelero, en 1998 el debutante Jamie Blanks ofreció una visión más global sobre la variada gama de relatos en Urban Legend.

         Desde luego que el filme no intenta ser una reflexión sobre el proceso comunicativo y cultural de las leyendas, simplemente usar la anécdota para construir un relato sobre venganza personal que opera con todos los códigos que mueven a todos los slashers. De hecho, la película aprovecha el furor inaugurado en 1996 con Scream, celebre filme al que le siguieron I Still Know what you did last summer de Jim Gillespie y la presente, filmes rescatables luego de esa regeneración del género.

         Michelle (Natasha Gregson Wagner) maneja en la carretera durante una noche. En el fondo, hay un programa de radio que después es sustituido por Total eclipse of the heart, ese one hit wonder de Bonnie Tyler. La gasolina se termina. Michelle es forzada a detenerse en la gasolinera más cercana, en donde un hombre intenta disuadirla de no subir nuevamente a su auto. Ella huye asustada pensando que el hombre es peligroso pero él solo trataba de advertirle; la chica muere decapitada en manos de alguien que iba en el asiento trasero del vehículo.

         El asesinato de Michelle es punta de lanza del relato. La noticia llega a la Universidad de Pendleton en donde estudian Natalie (Alicia Witt), su mejor amiga Brenda (Rebecca Gayheart) y Paul (Jared Leto), aspirante a periodista, galán ojiazul y todo un sabiondo. Junto a estos tres protagonistas se dibujan una serie de estereotipos usuales en filmes como estos: Sasha (Tara Reid) la muchacha promiscua, Damon (Joshua Jackson) el pesado bromista, Parker (Michael Rosenbaum) otro castroso líder una fraternidad y para rematar, el director de la escuela Dean Adams (John Neville)  y el profesor Wexler (Robert Englund) quienes también están como carne de cañón.

         Es muy evidente el trazo, es decir, todos los personajes habrán de morir en manos de aquel maniático que al inicio del filme decapitó a Michelle. Pero he aquí la novedad: cada asesinato es una retorcida representación de las leyendas urbanas locales más famosas. Natalie, la heroína de esta historia, conecta los puntos una vez que atestigua el homicidio de Damon, colgado de un lazo encima de su auto. Cuando comprueba que tanto esta como la muerte de Michelle parecen leyendas (la del hombre que aborda el auto de una mujer y el novio ahorcado), empieza su frenética búsqueda de la verdad antes que todos sean leyenda. Esa es la pregunta, ¿quién hace esto y por qué?

         Todos los slasher están motivados por la venganza y en este caso no es la excepción. La razón por la que Natalie se obsesiona con la búsqueda del asesino es porque ella conocía a Michelle, juntas hicieron una travesura años atrás, travesura que le costó la vida a un hombre y ahora, de algún modo, ella siente que la culpa ha regresado para carcomerla. No esta mal, pero no es la culpa sino alguien que desde luego presenció o sabe del incidente y desea hacerle pagar (y de paso masacrar unos cuantos estudiantes).

         Como podemos ver, es una estructura simple pero con algunas vueltas de tuerca interesantes, porque el mayor acierto de Jamie Blanks es manejar adecuadamente el suspenso de modo que aquello que creímos predecible, de la vuelta y nos sorprenda. Así pues, nos sorprendemos con la identidad del asesino (que no revelaremos, desde luego). Otro de los aciertos es aprovechar ese ingrediente nuevo en las películas de terror vigente desde Scream: la introducción del saber popular, es decir, tanto personajes como espectadores deben estar pendientes de las expresiones más recientes de nuestra cultura pues en el caso del asesino en el filme, éste las utilizará a su favor, mientras que el espectador debe reconocer esos códigos insertados en el relato (cuentos populares, películas de terror, crímenes famosos). El dominio de todos esos temas es lo que podría salvarnos en una situación peligrosa.

         Así pues, el profesor Wexler manifiesta que las leyendas son una medida de los valores de la sociedad que las creó, folclor contemporáneo que contiene advertencias culturales. Aunque en la película, el asunto de los miedos sociales se olvida y es reemplazado por el motivo de la venganza, no deja de ser interesante el intento de hacer notar que tanto en la cultura estadounidense como en la nuestra existen paranoias que debemos ocultar o disfrazar de otra cosa.

         En su manufactura, el filme se beneficia del claroscuro y de la corrección de secuencias a través de la música que enfatiza su carácter de suspenso en demasía. Buenas secuencias gore como aquella en donde el asesino introduce un embudo en la boca de Parker para hacerlo beber cantidades excesivas de veneno, aquella donde Tash, la compañera de cuarto darkie de Natalie es acuchillada en su cuarto en lo que Natalie cree una relación sexual. Es triste que la muerte más cruenta, la de Sasha, sea la que obtenga elipsis (se editan los hachazos en su cuerpo). El ritmo es trepidante y la resolución del relato efectiva, al desviar constantemente las sospechas de un personaje a otro.

         Es bueno hacer notar que en una temporada de filmes de terror que estaban (y siguen estando) a la sombra del paradigma que resulto ser Scream, el filme de Jamie Blanks asome la cabeza con una propuesta entretenida. No podemos negar que hay cierta acumulación de clichés, pero son necesarios tratándose de una slasher, subgénero que luego de muchos años de existencia, ha comprobado tener esquemas de fácil identificación contra los que es difícil pelear. Incluso Scream no pudo y por ello optó por la parodia. Tuvo una secuela en 2001 titulada Urban Legends: Final Cut dirigida por John Ottman, bien hecha y divertida, pero sin el destello de originalidad de su predecesora.

Recientemente habíamos bloggeado sobre la mítica cinta de Joe Dante que giró el mundo del terror en cuanto a hombres lobo y efectos especiales. Curiosamente ese mismo año Universal produjo otro film del mismo calibre sobre el mismo tema, pero bajo una visión distinta que la distingue por completo de su contrincante. Saben que me refiero a una cinta que mezcla humor con terror y fantasía que fue copiada durante toda la década e influenció indirectamente a muchísimos títulos. Creó junto con The Howling a los licántropos modernos (en el cine pues). Una divertida parodia/homenaje al cine de terror.

John Landis es un famoso director que es considerado un maestro del terror sólo por filmar esta película. Sus otros filmes pertenecen al género de comedia y sus películas de terror son escasas y de tono bromista. Sus películas más famosas son Animal House, The Blues Brothers, Into the Night, ¡Three Amigos! Y el memorable videoclip de Michael Jackson, Thriller. Su trabajo es ingenioso y entretenido. En 1973 filmó Schlock, lo que supuestamente sería su introducción en el cine de género y terminó como una parodia a este.

Siendo un devoto seguidor de las películas de monstruos cincuenteras y de la Universal. John Landis escribió el argumento para An American Werewolf in London, película que también acabó dirigiendo y que hoy es considerada como un clásico de principios de los ochenta. Pocas películas explotan el tema de la licantropía como esta, porque además lo combina con comedia romántica, thriller, farsa y por supuesto, gore. Un montón de elementos que pueden llevarse bien si las dosis son correctas (Shaun of the Dead es otro gran ejemplo de esta tendencia).

La historia se le ocurrió a Landis mientras trabajaba como asistente de producción en Yugoslavia para el filme Kelly’s Heroes. Aparentemente fue testigo junto con otros miembros del equipo, de cómo un grupo de gitanos practicaban rituales en un hombre para que al ser enterrado no se levantara de entre los muertos. El guión que escribió estuvo guardado durante muchos años, y fue gracias a la fama de sus primeras películas que pudo conseguir los fondos.

David y Jack son dos jóvenes americanos de tour por Europa que terminan visitando los desolados páramos en una remota y rural zona de Inglaterra (mejor conocida como East Proctor). En medio de la noche toman refugio en un bar local donde no son bien recibidos y se ven obligados a deambular por los páramos en busca de un lugar donde pasar la noche, pese a las advertencias de los lugareños. Los jóvenes se pierden y son atacados por un salvaje animal peludo que da muerte a Jack y deja a David gravemente herido.

David es enviado a un hospital de Londres donde comienza a recuperarse (y relacionarse con Alex, una enfermera británica). Sin embargo, conforme recobra la memoria, va perdiendo la razón debido a extraños sueños y visiones que lo hacen dudar sobre el ser que realmente lo atacó. Las sospechas de David se volverán una realidad cuando Jack regrese de entre los muertos para advertirle que fue atacado por un hombre lobo, y por lo tanto se convertirá en uno, la próxima luna llena.

Esta es una de mis películas favoritas desde que era niño. Todo en ella es divertido, desde la descarada burla de John Landis a la sociedad Inglesa hasta aquel perro infernal en el que se convierte David. Es difícil resaltar los puntos buenos e ingeniosos de la cinta porque son demasiados, así que trataré de ser breve y directo.

El cast cuenta con David Naughton en el papel de David. Por más raro que se me haga, he visto a David en muy pocas películas, pero su filmografía es extensa y su papel en este filme es excepcional. Jack, el amigo zombie es Griffin Dunne (After Hours), un personaje indispensable para la historia. La sexy enfermera Alex es Jenny Agutter, una excelente interprete Inglesa que algunos recordarán por Logan’s Run o Child’s Play 2. Y por último me gustaría mencionar a Brian Glover, un versátil y esplendido actor inglés que tuve la oportunidad de ver en películas de género como Alien³, The Company of Wolves y Jabberwocky.

Los efectos especiales estuvieron a cargo de Rick Baker, uno de los monstruos mejores pagados cuando se trata de ilusiones ópticas. Baker estaba trabajando con Rob Bottin en The Howling, cuando recibió el llamado de su amigo John Landis con quien había trabajado en Shlock. Landis quería un hombre lobo sin precedentes que mostrará todo lo que se quedó a la imaginación en películas como The Wolf Man, Werewolf of London o The Curse of the Werewolf.

En esa época estaba de moda trabajar con látex y KY Jelly (un lubricante). Baker tomó todos los modelos posibles de la anatomía de David Naughton, fue un proceso complicado que llevaba días aplicar para conseguir unos cuantos segundos en pantalla. Sin embargo, los efectos de la transformación son de los mejor logrados en la historia de los FX, tanto que se ganaron un Oscar a mejor maquillaje en 1982, una categoría que prácticamente fue inaugurada con este filme. El hombre lobo en estado completo es una horrenda bestia infernal inspirada en el perro de Baker.

John Landis llenó su película de homenajes a viejas cintas de licántropos, aparte de poner sus chuscas y en ese entonces, inusuales escenas de sexo. Las escenas gore van en algunas ocasiones acompañadas de humor, según Landis, su influencia principal viene de Monty Python. Algunos espectadores se quejan de la mezcla entre terror humor, ya que el filme alcanza momentos de terror y suspenso muy altos para después rematarlos con una broma o un gag. Otros argumentan que fue para nivelar y confundir las emociones en el espectador.

La producción terminó siendo Inglesa y Estadounidense. Las locaciones tomaron lugar en diversas partes de Inglaterra. Universal terminó distribuyendo el filme, que gozó de un buen recibimiento del público y críticas mixtas. En 1997 se filmaría una secuela poco fiel a la original que exageraba las cantidades de humor y terror. An American Werewolf in Paris es la historia de Andy, quien en Paris es infectado por un hombre lobo. La relación aquí (según los fans) es que Julie Delpy interpreta a la supuesta hija-lobo de Alex y David.

En cintas como Ginger Snaps y The Company of Wolves se representan los cambios de la adolescencia por medio de licántropos, mientras que en The Howling lo relacionan más con el instinto asesino y sexual del hombre. En An American Werewolf in London se mezclan estos dos aspectos. Según Landis, la adolescencia es un proceso de licantropía en el que te salen pelos por doquier y una extraña urgencia animal te posee. Esta es de las primeras cintas donde el infectado por “la maldición” es un joven con el que la audiencia se puede identificar. Le da un tono graciosa a la cinta, pero también dramático.

En conclusión, este filme es uno de los más divertidos y aterradores de los ochenta, lo cual es curioso porque estos dos géneros se mezclarían en un sin fin de producciones de la época, la mayoría terminando en desastres ridículos y olvidables. Pero el film de Landis siempre se mantendrá sobre todos, como uno de los pioneros en triunfar con esta choteada mezcla. Aparte es una pieza importantísima del género de terror moderno y las escasas películas de hombres lobo. Es tan famosa que luego la pasan en la tele, y si no la recuerdas de tu niñez, seguramente vives en Marte. El DVD está en zona 1 y 4, es facilísimo conseguirlo a rentarlo. Todo un clásico nostálgico.

What’s in the basket?

Frank Henenlotter es uno de los nombres más reconocidos en la marea gore de los ochenta. Este escritor y director neoyorquino es recordado por sus extrañas películas tales como Brain Damage, Frankenhooker, la reciente Bad Biology y una trilogía de filmes que serían prácticamente la cuna de su éxito; la saga de Basket Case, películas de cultísimo adoradas por fanáticos alrededor del mundo que mezclaban gore, terror y un humor bizarro.

Basket Case fue su debut como director y escritor. Un filme independiente de terror que homenajeaba al padrino del gore Herschell Gordon Lewis. El homenaje era total en todos los sentidos, en la pobre iluminación, los malos intérpretes, efectos especiales baratos, ningún set construido, pero mucha, mucha sangre, tripas, desmembramientos y rostros rebanados, aparte de diversión y personajes inusuales para un film de explotación, sin contar la trama que a pesar de su simpleza denota imaginación y originalidad.

Duane Bradley acaba de llegar a Nueva York sin ningún equipaje más que un fajo de dólares y una enorme canasta que siempre lleva a todas partes. Se hospeda en un pequeño hotel donde conoce a algunos de los extraños inquilinos. Duane (con todo y su canasta) visita al Dr. Harold Needleman donde conoce a una guapa recepcionista, Sharon. Sin embargo Needleman es brutalmente asesinado a la siguiente noche.

Resulta que Needleman junto con otros doctores, participaron en una operación clandestina para separar a Duane de su hermano siamés deforme “Belial” contra sus voluntades. La operación fue un éxito y los doctores dieron a Belial por muerto, pero sólo se hizo más fuerte y ahora busca junto con su hermano a los responsables de separarlos. Sin embargo, las cosas se complicarán con Sharon, quien se enamora de Duane amenazando con separar nuevamente a los apegados hermanos.

La trama me recuerda un poco a The Abominable Dr. Phibes por el afán de vengarse de los doctores e ir matándolos uno a uno por sus errores en la mesa de operación. Belial el hermano deforme tiene una pequeña resemblanza con la criatura de It’s Alive y toda la película parecería estar hecha en los escenarios usados por Herschell Gordon Lewis. Películas posteriores demostraran un humor similar como Braindead de Peter Jackson. También recuerda un poco a las obras de fenómenos de Todd Browning como Freaks y The Unknown donde los humanos corrompen a los desfigurados.

Si sus elementos se han repetido en tantas películas ¿qué hace a Basket Case tan entretenida, divertida y al mismo tiempo perturbadora? Tal vez parte de la ironía recaiga en la enferma relación de los hermanos. Mientras que Duane es un chico adorable, delgado, amable e ingenuo, su hermano Belial es totalmente lo contrario; compulsivo, destructor, celoso, pero al mismo tiempo necesita de su hermano para no sentirse solo, pues siempre ha sido su único amigo.

Los personajes también representan algo extraño y ajeno a la relación de los hermanos que han vivido casi toda su vida encerrados y aislados del resto de la civilización. De manera graciosa y obscura, Henenlotter expone como las personas comunes y corrientes pueden ser igual de freaks que un deforme o un inadaptado. Todos los personajes están solos, buscan relacionarse con alguien o tienen deseos frívolos. Resulta irónico que los deformes sean los que tienen relaciones más humanas con sus congéneres (obviamente no se expone tan crudamente como en Freaks).

El gore es simplemente de lo más divertido. Para una película de principios de los ochenta, los efectos parecen de una producción setentera, como aquellas escenas en las que Belial escapa de su canasta y camina por el cuarto de hotel en stopmotion. La sangre brota constantemente en esta película con escenas de personas partidas a la mitad, desfiguraciones, arrancamiento de vísceras, etc, siempre que Belial hace de las suyas, sus víctimas no terminan en estados muy agradables. Una de las escenas finales dejará al espectador ordinario con la boca abierta, y aunque toda la película tiene escenas inesperadas y extrañas, la última es posiblemente la mejor recordada. Tanto fue su impacto que el equipo de filmación abandonó el “set” cuando se filmó.

El humor también es divertido pero pobremente ejecutado, sobretodo por parte de Sharon, interpretada por Terri Susan Smith en lo que sería su primer y único papel en una película (las malas lenguas dicen que ahora es consejera de parejas y guía espiritual). Kevin Van Hentenryck es el responsable de interpretar a Duane, no sólo en esta entrega, sino en las tres partes de la serie. También hace un breve cameo en Brain Damage como el hombre con la canasta.

Como todo filme independiente, tuvo sus broncas. Al parecer Henenlotter no contaba con el equipo suficiente, así que muchos de los créditos son falsos. Muchas escenas se filmaron sin permisos de manera clandestina (como debe ser, en mi opinión). Se intentó distribuir la película como una comedia y se cortaron muchas de las escenas gore, eventualmente añadidas en la versión Uncut. El fajo de billetes que carga Duane era supuestamente el dinero de producción del que disponía Henenlotter para hacer la película.

La respuesta del público a la película fue moderada al principio, pero fue ganando su fama hasta convertirse en objeto de culto de grandes ligas como las series de Phantasm, Evil Dead o Re-Animator. En 1990 Basket Case 2 refrescaría las memorias de los aficionados para más tarde completarse con Basket Case 3: The Progeny. No he tenido oportunidad de ver las secuelas, pero las buenas lenguas auguran más diversión, más deformes y más gore, por lo tanto esperen una reseña completa de esta trilogía.

Con todo y sus errores y la manera amateur en la que está filmada, Basket Case es una midnight movie por excelencia que nadie debería tomarse en serio. Algunas personas la detestan porque los hace sentir incómodos, y en efecto, no es para todos, la recomiendo para personas acostumbradas a este tipo de filmes y definitivamente NO para menores de edad. Una vez más, un realizador nos demuestra su amor por determinado tipo de cine al que todos le hacen el feo. Un homenaje que por su cuenta ha creado una nueva generación de aficionados al cine gore y si gustas de este género, es indispensable que consigas Basket Case, disponible en DVD por Something Weird Video, compañía dedicada a rescatar películas extrañas donde trabaja el mismo Henenlotter.

La literatura de terror se ha ido perdiendo conforme las producciones crean imágenes increíbles que no dejan nada a la imaginación del espectador. Esto se debe en parte, al desarrollo exagerado de los efectos especiales sobretodo los llamados CGI (imágenes generadas por computadora) con los cuales es un trabajo sencillo crear a los monstruos más desagradables o los ambientes menos imaginados.

Sin embargo, siempre se puede notar una película por el factor literario; el guión, aquel que es la estructura ósea del filme y que a veces no necesita efectos para crear un monstruo o una atmósfera. En este caso, la literatura de terror sigue vigente aunque cada vez es más escasa. A pesar de todo, las ideas se agotan y los realizadores recurren cada vez más a la literatura para encontrar fuentes frescas.

Uno de los autores más citados y que goza de mayor fama por sus escritos es H. P. Lovecraft, el genio de Providence que escribió un sin fin de relatos y cuentos ambientados en lugares inimaginables rodeados de seres indescriptibles. Pero a pesar de su reconocimiento como uno de los autores más demenciales e imaginativos, sus adaptaciones a la pantalla grande han sido pocas, y en muchos casos fallidas, tal vez nadie puede captar el sentimiento de sus escritos, pero existen algunos títulos que lo hacen satisfactoriamente, The Resurrected es uno de ellos.

Podría decirse que Lovecraft se puso de moda cuando en 1985 Stuart Gordon adaptó Re-Animator, después de este film, las colaboraciones entre Gordon y el ya mencionado Yuzna se basarían mayoritariamente en escritos del autor. Anteriormente, Roger Corman también basó sus filmes en relatos de Lovecraft y Egar Allan Poe (The Haunted Palace). John Carpenter homenajearía al autor en su genial In the Mouth of Madness, un filme que casi justifica la veracidad de la imaginación del escritor. No olvidemos a Sam Raimi referenciado al Necronomicon en su trilogía de Evil Dead.

En 1992 el director y guionista Dan O’Bannon contribuyó al escaso universo cinematográfico del autor con este estupendo filme de misterio, terror gótico y gore. O’Bannon es el reconocido guionista de Alien, y también, el reconocido director de Return of the Living Dead, clásico ochentero de zombies por excelencia. Sus trabajos han sido Dark Star, Dead and Buried, Lifeforce, Invaders from Mars, Total Recall, Screamers entre otros. Su filmografía demuestra la devoción que tiene este señor por el cine fantástico, aunque como director sólo se haya aventado dos trabajos.

El guión fue firmado por un tal Brent V. Friedman, argumentista (al parecer) dedicado a la serie B, responsable de Syngenor (donde por cierto sale David Gale, mejor conocido como el Dr. Hill de Re-Animator) y otra adaptación de Lovecraft en 1993 conocida simplemente como Necronomicon, fiel a las ambientaciones del autor. De la dirección se encargó O’Bannon, sería su segundo y último trabajo como director. La historia que adaptaron fue “El caso de Charles Dexter Ward”.

El cast está conformado por tres personajes principales. Como Charles tenemos a Chris Sarandon, el inolvidable vampiro de Fright Night, un actor con una rica filmografía que incluye The Osterman Weekend, Dog Day Afternoon, Child’s Play, y la voz del famoso Jack Skellington en The Nightmare Befote Christmas.  Como John tenemos a John Terry, (Zodiac, Full Metal Jacket) aunque su carrera este casi dedicada a la televisión. Finalmente tenemos a Claire interpretada por la guapa Jane Sibbett, actriz dedica casi enteramente a la televisión.

La trama involucra a John March, un investigador privado que es contactado por la bella Claire Ward, una mujer preocupada por los extraños experimentos que su esposo, Charles lleva a cabo en una antigua casona familiar con la ayuda de un misterioso doctor. Cajas pestilentes presuntamente llenas de carne, huesos y desperdicios humanos son llevadas a la casona constantemente y los vecinos se quejan del olor. March acepta el caso y comienza a investigar la vieja casona descubriendo la obsesión de Charles con un viejo antepasado, acusado de ser un poderoso mago.

La relación de Charles con sus antepasados, va más allá de la obsesión al punto de  retomar sus viejos experimentos e investigaciones en lo sobrenatural. Mientras March y Claire intentan averiguar la verdad, todos los involucrados en el caso empiezan a perecer en violentas circunstancias. Los resultados de la investigación serán increíbles y aterradores en el definitivo estilo de H. P. Lovecraft.

La trama va más allá de lo que acabo de revelar, pero poco a poco se complica y se dan algunos giros de tuerca. Es un filme que capta perfectamente el misterio y el terror de una manera casi literaria, con ayuda de la narración y la atmósfera. O’Bannon superó el trabajo logrado en su debut, impregnando la cinta de terribles momentos (como los cerillos en el foso ¡brrr!) y al mismo tiempo ese misterio y suspenso tan característico de Lovecraft, acompañado del aspecto sobrenatural.

Con ayuda de flashbacks, increíbles animaciones en stopmotion y monstruosidades dignas de una historia de terror o algún filme de la Nueva Carne, está película es una de las mejores que mezclan el terror gótico al estilo de Roger Corman con situaciones contemporáneas (la relación detective/cliente muy al estilo de Chinatown). Este contraste es de mis favoritos pues divide al espectador entre la realidad y la fantasía hasta que estas dos chocan en resultados sorprendentes (aquí el mejor ejemplo sería la escena final en el instituto psiquiátrico).

The Resurrected es un film estupendo. Sin embargo, tiene muchas similitudes con otro ejemplo de Lovecraft. Me refiero a In the Mouth of Madness de 1994, ambas cintas guardan similitudes como el detective privado, el personaje que pasa del mundo real al sobrenatural, las puertas a lo desconocido, incluso en aspectos como la narración, cierta psicología de personajes, etc. Con esto no quiero decir que John Carpenter haya plagiado el film de O’Bannon, después de todo fueron compañeros años atrás en Dark Star, pero los parecidos están ahí, aunque ambas son distintas a su manera y excelentes.

Los noventa fueron una época difícil para el cine de género, sobretodo al principio de la década cuando aún quedaba el sabor de los ochenta. The Resurrected habría sido todo un éxito si no hubiera gozado de tan poca fama y distribución. Es un filme bien dirigido, bien escrito y envuelto en asquerosos efectos especiales muy al estilo de Hellraiser. En su época, incluso fue marginada al mercado del video y hoy se puede conseguir el DVD de Lionsgate.

The Resurrected es un filme perfecto para verse en una noche lluviosa. Me sorprende que una película con tanto potencial, pase desapercibida tan fácilmente. Por eso decidí dedicarle un post para que todos los que visitan este sitio sepan de ella e intenten conseguirla, porque vale mucho la pena, sobretodo si te gustan los cuentos de casas abandonadas, presencias sobrenaturales, experimentos extraños y cadáveres reducidos a los huesos en charcos de sangre llenos de grumos y pedazos de piel. Eso sí, su duración es algo pesada, pero vale la pena sentarse y aguantar 110 minutos de misterio, terror y Lovecraft.

Los fanáticos de Stuart Gordon y su constante colaborador Brian Yuzna estarán de acuerdo que se trata de dos caballeros que a la hora de desencadenar los efectos más desagradables, exagerados y gore, dejan todo correr sin restricciones ni tabúes. Todo lo que sea necesario para asquear al espectador se produce en los filmes de estos señores con una particular mezcla de terror y farsa.

Brian Yuzna ayudó a la producción del clásico ochentero, Re-Animator, y siguió la saga con otras dos películas. Dio continuidad a Return of the Living Dead dirigiendo la tercera parte, y por su lado, creó las dos entregas de The Dentist. Aunque casi siempre aparece como productor, sus películas están caracterizadas por exageradas cantidades de gore y viscosidades rodeadas de personajes virales. Como muchos de sus compañeros, Yuzna es considerado un maestro del género y sus trabajos de “culto”.

En 1989 después de regir  como productor al lado de Stuart Gordon, Yuzna se aventó a dirigir un guión firmado por Rick Fry y Woody Keith, quienes volverían a firmar guión para Dementia y Bride of Re-Animator. El filme se el debut como director de Yuzna, y posiblemente el que le dio renombre como creador individual. Una cinta influenciada por Rosemary’s Baby, The Spiral Staircase y las pinturas de Salvador Dalí (en palabras del director).

Billy Warlock es un estudiante común y corriente que tiene prácticamente la vida resulta. Su único problema es la relación con su familia, de la cual, está casi seguro no ser un miembro original. Residiendo en Beverly Hills, Billy no se siente cómodo con la clase alta. Sus padres y su hermana actúan diferente a él, haciéndolo sentir un paria y no pasará mucho tiempo para que Billy descubra anomalías físicas en la sociedad burguesa que lo rodea.

Las sospechas inconclusas de Billy tomarán forma cuando David el ex novio de su hermana le presenta una grabación de su familia haciendo… cosas desagradables. Las cosas se complican cuando David es asesinado en un supuesto accidente. Las personas que rodean a Billy tal vez no son lo que aparentan, así que el joven decide investigar por su cuenta con la ayuda de su amigo Milo y la sexy Clarissa.

Las mutaciones se pusieron de moda con la llegada de la Nueva Carne. En filmes como Altered States, The Thing, Videodrome, An American Werewolf in London y From Beyond las transformaciones del cuerpo humano en criaturas desagradables, biónicas u orgánicas se despliegan con los efectos más sofisticados de la época. Society se une a este estilo con las desagradables mutaciones que sufren algunos de los personajes.

Los monstruos aquí son distintos a cualquiera que se haya visto en otra película. Muestran clara influencia de otros filmes dentro de la Nueva Carne (sobretodo de From Beyond) y también recuerdan a las descripciones de un relato de Lovecraft. La imaginación del encargado de efectos especiales, serviría de base para filmes posteriores como Braindead o Slither donde los homenajes son obvios. La escena final no tiene comparación, y muchas personas la encuentran perturbadora. En lo personal, me pareció de lo más divertida y muy bien ejecutada.

El filme en sí es considerado una descarada crítica a la alta sociedad. Las alegorías son obvias e incluso exageradas orillando al filme a la farsa, pero manteniendo cierta verosimilitud para darle más fuerza a lo fantástico. Tal vez a algunos pueda parecerles ridículo, pero la película no es de esas que se toman en serio (la gente que sí lo haga se decepcionará). Lo que es obvio es la representación grotesca que nos da Yuzna de la burguesía, denunciando la hipocresía, la discriminación y la importancia del status social.

El misterio durará toda la película hasta que lleguemos al clímax, mas o menos unos 20 minutos antes del final. El suspenso de pronto se pierde, las situaciones dejan de intrigarte en momentos, aunque siempre estás a la espera de descubrir la verdad. Yuzna también metió desnudos (como es típico en sus filmes), escenas con humor y partes que parecen sacadas de una teen movie, para poder mantener al espectador envuelto en la trama.

En cuanto a lo grotesco, Society cuenta con una de las secuencias más memorables en la historia del cine de género, considerando que fue hecha a finales de los ochenta despidiendo una época de excesos, frivolidad y FX excepcionales. Al mismo tiempo, anunciaba la llegada de los noventa donde los niños ricos serían prácticamente los seres dominantes del planeta, pero también los más grotescos, primitivos y mejor camuflados bajo la máscara de la sociedad.

Como si el status social fuera un tema de selección natural, Society aboga por la supervivencia del más débil, a los ojos de la sociedad, el menos adaptado. Los seres superiores son los que tienen un auto último modelo y una casa con piscina en Beverly Hills. Los seres inferiores tienen un papel determinado: comida, alimento para los más fuertes, los cuales pueden patearlos, humillarlos y prácticamente hacer lo que se les dé la gana. Sin embargo, el factor “humano” siempre interviene para bien (o para mal).

Muchas películas manejan el tema de la conspiración relacionado a cultos o grupos de marginados o parias que buscan destruir determinados sectores dentro de una sociedad. En Society es totalmente lo contrario, la conspiración la hacen las personas de poder y de dinero, tal vez otra crítica a grupos extremistas o a las llamadas sectas secretas que de alguna manera influyen en asuntos que les incumben. Es una película llena de elitismo.

Finalmente, ligado a todo el contexto social, interviene también el tema de la adolescencia, de tomar decisiones, de pertenecer, de tener una identidad, de ser independiente, sobretodo de sentirte fuera de la sociedad o del vínculo familiar. En parte narra la búsqueda de un joven por su individualidad y libertad de opinión y decisión en una sociedad que le dice “es normal sentirte así” y lo priva de explicaciones haciéndolo menos por su edad y falta de experiencia.

Con todo y ser considerada un clásico de culto, este filme no cuenta con alguna edición decente en DVD, algo que se me hace extraño considerando la expansión de este mercado y la reciente popularidad que gozan este tipo de películas. Sea como sea, en nuestro país es imposible de conseguir a menos que sea por encargo, y ni se molesten en ir al videoclub porque tampoco la van a encontrar.

Para finalizar, Society es uno de los filmes más bizarros, divertidos e irreales que verás en tu vida, y si no, pues al menos podrás apreciarla por sus increíbles efectos especiales y de maquillaje, aparte del mensaje que aunque se exponga de manera burlona y grotesca, es nada más que la verdad; las sociedad más desarrolladas son las más primordiales también. Un filme que vale la pena buscar debajo de las piedras o preguntar y preguntar por él hasta volver loco al gerente de Mix-Up (já). Sólo recuerden tener un estomago vacío al verla.

Las leyendas urbanas y la cultura general dicen que recoger a alguien en el camino puede ser un error fatal e incluso mortal. El modus operandi de muchos asesinos seriales se aprovechaba del llamado autostop para después machacar a sus víctimas. Existen películas que tocan este tema como The Hitch-Hiker de 1953, The Sadist de 1963 e incluso Duel de 1971. El filme que reseñamos es más o menos en el mismo estilo mezclando thriller con roadmovie y un poco de terror.

Jim Halsey, es un entusiasta joven americano que maneja desde Chicago hasta San Diego para entregar un automóvil. En su camino (aparte de casi matarse) recoge a un extraño hombre que pide aventón en una noche lluviosa. El extraño se hace llamar John Ryder, y no pasa mucho tiempo para que se vuelva una presencia incómoda en el vehículo de Jim. El tal Ryder resulta ser un psicópata que pide aventón para luego asesinar a sus víctimas.

Con todo y el suspenso creado por Ryder, Jim se las ingenia para librarse de él. Triunfante continúa su recorrido, pero se da cuenta que no está solo y que Ryder lo acosa desde todas las direcciones posibles, siempre estando un paso adelante. Así Ryder se convertirá en la pesadilla de Jim (y del espectador) involucrándolo en un sin fin de barbaridades y orillándolo a tomar acciones inesperadas.

Empezamos con una aburrida carretera en medio de un aburrido desierto donde nada interesante podría pasar. Jim Halsey (interpretado por C. Thomas Howell) mata el tiempo mientras conduce, algunos planos del paisaje, todo aparentemente normal, hasta que aparece el misterioso hombre pidiendo aventón, a partir de ese punto la película toma un ritmo casi de zigzag entre suspenso y acción,

El guión fue escrito por uno de tantos guionistas de género. Eric Red quien también es responsable de guiones para Near Dark, Body Parts y Bad Moon (en estos dos últimos también se aventó la dirección). El director es Robert Harmon, con una filmografía mayoritariamente televisiva y algunos filmes pegándole al género como They y Highwaymen. En 1983 filmaría un corto de 30 minutos llamado China Lake, el cual (tengo entendido) fue de las bases principales para The Hitcher.

Está película es considerada un clásico de culto como muchísimas otras joyas ochenteras. Sin embargo, The Hitcher, no cuenta con el estilo ochentero de sus compañeras, es un filme centrado más en el suspenso, las sorpresas y prolongados momentos de tensión. Claro que también cuenta con algunas espectaculares persecuciones a la Mad Max y automóviles explotando por doquier para nivelar el sentimiento general de suspenso, pasando de lo misterioso a lo histérico.

El terror aquí, pertenece por completo al atacante; el misterioso John Ryder, jamás sabemos si ese es su verdadero nombre, pero sí sabemos que es un demente obsesivo e inteligente que funciona como cualquier otro atacante en una película de terror. Sin embargo, la interpretación de Rutger Hauer da credibilidad al personaje haciéndolo particular e inquietante. Hauer tiene muy pocas líneas en la película, y aún así se las ingenia para crear una amenazante presencia que nunca se rinde y cuya motivación para asesinar es incierta.

John Ryder es una presencia casi fantasmagórica e irreal. El físico de Hauer no fue lo único que hizo memorable a este personaje. Su tono de voz bajita, su mirada demente, sus pequeños diálogos, es totalmente impredecible. Algunas personas argumentan incluso que el personaje es la representación de la locura o la soledad y que carga toda una serie de simbolismos. Otros lo consideran el alter-ego del protagonista, aquel que hace todo lo que su original jamás se atrevería a hacer. Hauer originalmente no era la opción para el papel de Ryder pero terminó consiguiéndolo, asombrando al crew y los dobles con sus inusuales habilidades al volante.

El resto del elenco también merece una mención. En el papel de Jim Halsey tenemos a C. Thomas Howell interpretando adecuadamente al personaje. Jim es tan solo un joven en medio de circunstancias casi irreales, solo en medio de la nada sin ayuda de nadie. También tenemos a la versátil Jennifer Jason Leigh en el pequeño papel de Nash una mesera en el restaurante de paso que termina involucrándose en la pesadilla. Los demás personajes son secundarios; gente de la carretera, automovilistas y policías, como Jeffrey DeMunn interpretando al sheriff (quien repetiría su papel en el remake de The Blob) y Billy Green Bush quien fue el papá en Critters.

La película no sólo es recordada por la demencial actuación del imponente Hauer. Parte de su fama recae en escenas ingeniosas y sugestivas. Los fanáticos del cinema extremo quedarán algo decepcionados, pero a veces sugerir es igual de efectivo que salpicar. Obviamente no puedo describir estas escenas, pero les garantizo que son tan astutas e impactantes como las de una película gore. Las únicas pistas que les puedo dar involucran un plato con papas fritas y dos camiones de carga.

El escenario en toda la película ayuda a generar un sentimiento aislado y desesperanzador en el espectador. En el transcurso de la cinta son pocas las cosas que pueden ayudar al protagonista para luchar contra su acosador. Sea de manera metafórica o no, la carretera se vuelve el medio de supervivencia de Jim Halsey, un camino que debe cruzar para sobrevivir, pero que puede o no llevarlo hasta su atacante. Por eso, desde mi punto de vista, The Hitcher es en parte una roadmovie.

Aunque las circunstancias en la película parezcan exageradas (sobretodo a la hora de las persecuciones) la situación general es posible, ahí tal vez, radica el poder de la película. El espectador no lo presentirá como algo sobrenatural, sino perfectamente posible y aterrador. Podría describirse como una pesadilla hecha realidad. El estar completamente solo, con todo en tu contra y en un ambiente desconocido, es uno de los peores miedos del hombre moderno (o citadino como en la película) por eso llegamos a identificarnos con el protagonista y abogar por su inocencia.

The Hitcher quedaría perfecta como un capítulo individual en la larga historia del género. Por desgracia (al menos para mí) en el 2003 se estrenó una secuela directo a video conocida como The Hitcher II: I’ve Been Waiting en la que Jim Halsey (de nuevo interpretado por Thomas Howell) se encuentra con un nuevo asesino. Pero ahí no acaba el descaro. En el 2007 se produjo un remake de la original poniéndole chicas lindas, más acción y otras barbaridades (ya no hay respeto já).

Para acabar. The Hitcher es una película genial que me tomó un segundo vistazo para poder apreciarla. Supongo que se podría considerar una roadmovie debido al recorrido físico y psicológico que tiene el personaje, aunque el sentimiento general es de un thriller. En el estilo de otros clásicos como Straw Dogs, The Hitcher nos pone a prueba en el mito de “cada hombre tiene un punto de quiebra”. El DVD está disponible en zona 1 y 4 (bajo el título El Caminante já). Aunque es considerada de culto por sus admirados, la película sigue siendo menospreciada o de plano pasa desapercibida, pero si tienen la oportunidad de conseguirla, no lo duden. Sólo recuerden nunca recoger a un extraño en la carretera.