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Cruising

Posted in Terror de Autor on agosto 14, 2009 by alienzombie

William Friedkin es el hombre responsable de la que se conoce como la mejor película de terror de todos los tiempos: The Exorcist, aquella mítica cinta que dejó sin aliento a millones de espectadores alrededor del mundo e incluso hoy se mantiene como un clásico triunfante sobre el paso del tiempo. Cualquiera hubiera pensado que la carrera de este realizador se estancaría en el género después de semejante éxito. Y aunque dejaría el terror a un lado, sus filmes continuarían siendo sombríos, descorazonados e inciertos.

Una serie de brutales asesinatos sumados a partes de cuerpos encontradas en el río alertan al departamento de policía de Nueva York. Las víctimas son identificadas como homosexuales que frecuentaban los bajos mundos del sadomasoquismo. Steve Burns (Pacino) recibe la tarea de encubrirse como un hombre gay para adentrarse en el sórdido ambiente nocturno y atraer al responsable de los crímenes (ya que Burns cubre el patrón físico de las víctimas). La asignación parecerá fácil al principio, hasta que Burns se hunde demasiado en su papel y comienza a cuestionar no sólo su sexualidad, sino su salud mental.

Originalmente iba a ser dirigida por Brian De Palma, quien acabó trabajando en Dressed to Kill (otro clásico nostálgico). Así la dirección pasó a Friedkin quien ya había explorado el tema gay en 1970 con The Boys in the Band. En 1987 regresaría al estudio del asesino serial con Rampage. En Cruising estos dos elementos se mezclan. Por un lado nos involucra en la cultura neoyorkina del sadomasoquismo a finales de los setenta. Por el otro crea el misterio del asesino serial. Todo va mezclado con un rollo detectivesco muy parecido a The French Connection lo cual ayuda a consolidar el filme como un thriller al estilo Friedkin.

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El guión firmado por Friedkin, está basado en una novela escrita por el reportero del New York Times Gerald Walter. Muchos elementos de la historia son verídicos. El detective Randy Jurgensen (quien tiene un papelillo en la película) sí se hizo pasar por un homosexual para dar con un par de sujetos que extorsionaban a la comunidad gay en Manhattan e incluso cometieron una serie de asesinatos. Otra anécdota contada por Friedkin fue el asesinato de un crítico homosexual. El responsable, Paul Bateson, curiosamente había aparecido en The Exorcist lo cual le dio la oportunidad al director de charlar cara a cara con un verdadero asesino.

El elenco cuenta con Al Pacino en un papel inusual para su filmografía. Nos hemos acostumbrado a visualizarlo como un tipo duro al borde del cliché. Pero en Cruising, es el policía novato que poco a poco es devorado por su nueva misión. Paul Sorvino interpreta al capitán de la fuerza, un hombre frío y casi indiferente a los asesinatos que sólo busca hacer su trabajo. La guapa Karen Allen sale de la pobre novia confundida en un papel bastante pequeño. Friedkin recurre a personajes reales una vez más, Randy Jurgensen y el mismo Sonny Grosso (el original Buddy Russo de The French Connection) interpretan pequeños papeles de detectives. La mayoría de los extras en los bares gay, eran efectivamente de la comunidad gay.

Cruising no es un filme de terror. De hecho, pocos elementos podrían destacarlo en este género. Sin embargo, me pareció que el tema del asesino serial es una excusa suficiente para incluirlo en el blog, ya que los momentos de suspenso no intentan asustarte, son enteramente para que los analices y llegues a conclusiones propias. La situación terrorífica se irá perdiendo en el estudio del personaje de Pacino, ahora el espectador se introducirá en un mundo psicológico dejando de lado el peligro del asesino y la brutalidad de sus crímenes.

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La atmósfera del filme es en verdad sórdida y realista. Aparentemente Friedkin y su equipo sí frecuentaron los bares gay de la época en un intento por hacer genuinos los escenarios y circunstancias. Las calles de noche llenas de estos personajes entallados en cuero y cadenas que son prácticamente idénticos entre sí son otro aspecto terrorífico en mi opinión. La fidelidad del filme puede ocasionar que algunos espectadores se sientan incómodos a la hora de presenciar ciertas escenas.

Pese al renombre del director y teniendo a Al Pacino como protagonista, el filme no vio mucho éxito ni con la crítica ni con el público. Ciertamente es una película que expone la escena gay del sadomasoquismo. A finales de los setenta esto no pudo ser muy buena idea para un filme comercial, ese tipo de escenarios se limitaban a producciones independientes o underground (la mayoría de la cinta se siente casi como una película de bajo presupuesto).

La controversia fue otro de los factores que no le dieron buena publicidad al filme. Resulta que durante el rodaje, el equipo se vio boicoteado por distintos grupos gay que alegaban “homofobia” por parte de los realizadores. Dichas personas llegaron incluso a interferir con la filmación interponiéndose entre escenas. Cuando finalmente se estrenó la película, los grupos regresaron en su afán por boicotearla. Estoy seguro que ni siquiera sabían de qué trataba la película. Recordemos que en las películas de Friedkin, nunca hay un ganador.

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Para llamar a Cruising un filme homofóbico, de verdad tienes que ser un completo imbécil. La película se limita a enseñar un mundo bajo ciertas circunstancias. En mi opinión, llega hasta abogar por los derechos de los homosexuales en algunas partes exponiendo el trato que reciben por la policía y la sociedad. Pero la intención no era hacer una película sobre los derechos gay, al final es un profundo estudio psicológico con un asesino serial que anda por ahí matando homosexuales. Obviamente ninguna película con sentido común se iría del lado del asesino, Cruising estudia muy bien la reacción social cuando la víctima es considerada un “paria” social. En ese caso, hasta podría considerarse una denuncia.

Con un soundtrack lleno de punk y hardcore, este filme triunfa en muchos sentidos. Sin embargo al final algunos pueden quedar descontentos o confundidos. Estoy seguro que más de uno puede llegar a incomodarse por ciertas escenas que retratan prácticas sadomasoquistas bastante crudas, ahí sí recomendaría un poco de criterio y si por alguna estúpida razón eres homofóbico, mantente lejos de esta película, o bien, vela para que se te quite lo intolerante.

En conclusión, Cruising es una cuestión de gustos, una película demasiado cruda, hostil e incierta, pero al mismo tiempo intrigante, bien hecha y muy distinta. Vale la pena que le echen un ojo a uno de los papeles más extraños de Al Pacino (si lo quieren ver vestido de cuero). El DVD está disponible bajo el título de Encrucijadas y lo sacó la Warner Bros. O bien, si de plano eres muy codo y muy geek, la puedes encontrar completa en YouTube dividida en diez partes. Véanla, disfrútenla y discútanla.

Zodiac

Posted in Terror de Autor on julio 4, 2009 by alienzombie

“This is the Zodiac speaking…”

No pude resistir empezar con la épica sentencia que aterrorizó a los ciudadanos de San Francisco hace 40 años e incluso hoy en día, sigue siendo un misterio. ¿Quién fue el Zodiaco? Uno de los asesinos seriales más extraños e intrigantes que irónicamente, y a diferencia de muchos otros, nunca fue propiamente identificado. Fue responsable de 5 muertes confirmadas, aunque él afirmaba que el número se elevaba a más de 30. El caso, actualmente permanece como “cold case” o sea, no está cerrado ni abierto, sino incompleto y congelado.

El caso en sí es interesante, extenso y sugestivo. Los interesados se encontrarán con un dilema entre lo circunstancial y la evidencia. Por fortuna, en el 2007 alguien se molestó en retomar la misteriosa figura de Zodiac y llevarla a la pantalla grande en una de las mejores adaptaciones de casos reales a ficción como hizo Scorsese con Nicholas Pileggi en Goodfellas y Casino.

4 de Julio de 1969, Darlene Ferrin y Mike Mageau charlan en su automóvil cuando son atacados por un misterioso hombre que abre fuego matando a la joven e hiriendo a su acompañante. Días después, el San Franciso Chronicle recibe una serie de cartas del supuesto asesino quien amenaza con seguir matando a menos que el diario publique una serie de acertijos. Cuando la amenaza se cumple y otras 2 víctimas son asesinadas, la policía y los medios de comunicación toman el caso en serio y empieza una carrera desesperada por descubrir la identidad del responsable. Así nace The Zodiac, uno de los asesinos seriales más notorios de Estados Unidos quien se las arregló para burlar a la policía y los medios que tan exhaustivamente lo buscaban. Sin embargo, un joven caricaturista busca donde nadie había buscado, cayendo en una obsesión por capturar al asesino y descubrir la verdad.

Dirigida por David Fincher, quien comenzó dirigiendo videos para Madonna y debutó con Alien³, seguida de Se7en (una de sus películas más reconocidas), The Game, la famosísima Fight Club, Panic Room y su multi-nominada última película The Curious Case of Benjamin Button. A pesar de su escasa filmografía, Fincher ha demostrado una buena mano a la hora de escoger proyectos, e incluso lo han encasillado en el género de thriller o suspenso. Zodiac tiene todos los trademarks del director. Sin embargo, no obtuvo el reconocimiento merecido y pasó casi desapercibida.

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El guión viene firmado por James Vanderbilt, también responsable de Darkness Falls, Basic y The Rundown, películas que ni siquiera se le acercan a Zodiac. Lamentablemente aún tengo pendiente leer la novela de Robert Graysmith, pero el guión me pareció bastante bueno debido a todos los personajes que involucra y el desarrollo fluido de la historia (aunque muchas personas se quejaron porque la película dura dos horas y media).

Todos los personajes que aparecen en la película son (algunos fueron) personas reales. El elenco, muy bien cuidado por cierto, incluye a Jake Gyllenhaal, Mark Ruffalo, Robert Downey Jr., Anthony Edwards, Chloë Sevigny, Elias Koteas y John Carroll Lynch. La recreación de la época, sumada con las actuaciones hace impecable la veracidad de la historia e incluso se siente como un documental. Otro aspecto importante es la música, sigan las canciones de cerca cuando la vean.

Zodiac es una excelente película, posiblemente mi favorita de David Fincher. Ingeniosamente se divide en tres partes. La primera nos plantea el problema, enseñándonos los asesinatos, comenzando el misterio desde la perspectiva de los medios de comunicación (el diario San Francisco Chronicle). Se corre la voz, un asesino en serie está en busca de víctimas al azar. Fincher hace un amplio énfasis de la cobertura que los medios dieron al problema, después de todo el asesino se comunicaba enviando cartas a los periódicos. Esta primera parte recuerda mucho a All the President’s Men.

La segunda parte involucra la perspectiva  policial, sobretodo a los principales encargados del caso; Dave Toschi (Ruffalo) y Bill Armstrong (Edwards). Aquí la historia se convierte casi en un thriller al estilo Fincher, conforme las pistas emergen el asesino se hace omnipresente pero logra evadir a las autoridades. Como espectador, permaneces pendiente de la investigación esperando que algo concreto salga. Ahí, el asesino cumple un papel importante, pues tanto en la película como en la vida real, el Zodiaco, logró eludir y confundir a las autoridades.

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Finalmente, el tercer acto es desde la perspectiva de Robert Graysmith (Gyllenhaal), en ese entonces, caricaturista del Chronicle, quien eventualmente se convirtió en un detective amateur y especialista en el caso (escritor del libro en el que se basa la película). Fincher nos hace parte de la obsesión del personaje por descubrir al asesino y nos somete a interesantes situaciones que ponen en duda ¿hasta donde llegarías por saber la verdad y demostrarla? Un dilema interesante que mantiene la última esperanza por atrapar al asesino. Aquí, todas las subtramas se unen, pero eso no quiere decir que el misterio esté resuelto.

A diferencia de otras adaptaciones criminales, Zodiac no es una película sensacionalista, si no todo lo contrario; es un filme altamente informativo de un tema incómodo para muchas personas. Las víctimas del asesino se mostraron escépticas al principio, pensando que era simplemente otra película hollywoodense que exageraba los hechos  y glorificaba la figura del asesino. Mientras muchas películas caen en este bache, Fincher logró que su película fuera una de las excepciones haciendo un trabajo serio, apegado a los hechos, en el que el espectador es informado y queda con la última palabra. En cuanto al mítico Zodiac, existen otras películas basadas en sus crímenes, pero ninguna se le acerca a esta versión.

Aunque este blog se enfoca en películas de terror, Zodiac no califica como una, a pesar de varias escenas francamente aterradoras (como el sótano de Vaughn o el asesinato en el lago). La figura del asesino serial se ha consolidado en el cine de terror engendrando cosas buenas y malas. Si vas a ver Zodiac pensando que es la típica película churrera de un asesino loco que está “basada en hechos reales” (últimamente eso está de moda), pues mejor prepárate, acabarás decepcionado o bien, como me pasó, terminarás sorprendido. Es una lástima que no haya recibido la misma atención que otras obras de Fincher, por fortuna el mercado del DVD se encarga de rescatar las películas de taquilla e inmortalizarlas en un estante.

Zodiac es una película que involucra al espectador con los personajes, la situación y la historia en general. Es imposible que no investigues sobre los asesinatos después de ver la película, y cuando lo haces, te das cuenta de lo concreto y profesional que fue el trabajo de todos los involucrados. Todos los departamentos están cubiertos al 100%, la historia por si misma es emocionante y hecha película es todavía más intrigante. En resumen, y en mi opinión, Zodiac es un filme espléndido que justifica perfectamente su duración.

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Para finalizar, me tomé la molestia de juntar ciertas películas relacionadas al caso original. Supuestamente el asesino era un cinéfilo de corazón. 

The Most Dangerous Game: supuestamente, parte de su inspiración para matar.

The Exorcist: en una de sus cartas, aduló esta película.

Dirty Harry: basada en el Zodiaco, quien después dijo en una de sus cartas “espero una buena película sobre mí”

Summer of Sam: la relaciono muchísimo con Zodiac, pues los asesinatos fueron similares y la película tiene un carácter serio igual que la de Fincher.

Basket Case

Posted in Terror de Autor on febrero 5, 2009 by alienzombie

What’s in the basket?

Frank Henenlotter es uno de los nombres más reconocidos en la marea gore de los ochenta. Este escritor y director neoyorquino es recordado por sus extrañas películas tales como Brain Damage, Frankenhooker, la reciente Bad Biology y una trilogía de filmes que serían prácticamente la cuna de su éxito; la saga de Basket Case, películas de cultísimo adoradas por fanáticos alrededor del mundo que mezclaban gore, terror y un humor bizarro.

Basket Case fue su debut como director y escritor. Un filme independiente de terror que homenajeaba al padrino del gore Herschell Gordon Lewis. El homenaje era total en todos los sentidos, en la pobre iluminación, los malos intérpretes, efectos especiales baratos, ningún set construido, pero mucha, mucha sangre, tripas, desmembramientos y rostros rebanados, aparte de diversión y personajes inusuales para un film de explotación, sin contar la trama que a pesar de su simpleza denota imaginación y originalidad.

Duane Bradley acaba de llegar a Nueva York sin ningún equipaje más que un fajo de dólares y una enorme canasta que siempre lleva a todas partes. Se hospeda en un pequeño hotel donde conoce a algunos de los extraños inquilinos. Duane (con todo y su canasta) visita al Dr. Harold Needleman donde conoce a una guapa recepcionista, Sharon. Sin embargo Needleman es brutalmente asesinado a la siguiente noche.

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Resulta que Needleman junto con otros doctores, participaron en una operación clandestina para separar a Duane de su hermano siamés deforme “Belial” contra sus voluntades. La operación fue un éxito y los doctores dieron a Belial por muerto, pero sólo se hizo más fuerte y ahora busca junto con su hermano a los responsables de separarlos. Sin embargo, las cosas se complicarán con Sharon, quien se enamora de Duane amenazando con separar nuevamente a los apegados hermanos.

La trama me recuerda un poco a The Abominable Dr. Phibes por el afán de vengarse de los doctores e ir matándolos uno a uno por sus errores en la mesa de operación. Belial el hermano deforme tiene una pequeña resemblanza con la criatura de It’s Alive y toda la película parecería estar hecha en los escenarios usados por Herschell Gordon Lewis. Películas posteriores demostraran un humor similar como Braindead de Peter Jackson. También recuerda un poco a las obras de fenómenos de Todd Browning como Freaks y The Unknown donde los humanos corrompen a los desfigurados.

Si sus elementos se han repetido en tantas películas ¿qué hace a Basket Case tan entretenida, divertida y al mismo tiempo perturbadora? Tal vez parte de la ironía recaiga en la enferma relación de los hermanos. Mientras que Duane es un chico adorable, delgado, amable e ingenuo, su hermano Belial es totalmente lo contrario; compulsivo, destructor, celoso, pero al mismo tiempo necesita de su hermano para no sentirse solo, pues siempre ha sido su único amigo.

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Los personajes también representan algo extraño y ajeno a la relación de los hermanos que han vivido casi toda su vida encerrados y aislados del resto de la civilización. De manera graciosa y obscura, Henenlotter expone como las personas comunes y corrientes pueden ser igual de freaks que un deforme o un inadaptado. Todos los personajes están solos, buscan relacionarse con alguien o tienen deseos frívolos. Resulta irónico que los deformes sean los que tienen relaciones más humanas con sus congéneres (obviamente no se expone tan crudamente como en Freaks).

El gore es simplemente de lo más divertido. Para una película de principios de los ochenta, los efectos parecen de una producción setentera, como aquellas escenas en las que Belial escapa de su canasta y camina por el cuarto de hotel en stopmotion. La sangre brota constantemente en esta película con escenas de personas partidas a la mitad, desfiguraciones, arrancamiento de vísceras, etc, siempre que Belial hace de las suyas, sus víctimas no terminan en estados muy agradables. Una de las escenas finales dejará al espectador ordinario con la boca abierta, y aunque toda la película tiene escenas inesperadas y extrañas, la última es posiblemente la mejor recordada. Tanto fue su impacto que el equipo de filmación abandonó el “set” cuando se filmó.

El humor también es divertido pero pobremente ejecutado, sobretodo por parte de Sharon, interpretada por Terri Susan Smith en lo que sería su primer y único papel en una película (las malas lenguas dicen que ahora es consejera de parejas y guía espiritual). Kevin Van Hentenryck es el responsable de interpretar a Duane, no sólo en esta entrega, sino en las tres partes de la serie. También hace un breve cameo en Brain Damage como el hombre con la canasta.

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Como todo filme independiente, tuvo sus broncas. Al parecer Henenlotter no contaba con el equipo suficiente, así que muchos de los créditos son falsos. Muchas escenas se filmaron sin permisos de manera clandestina (como debe ser, en mi opinión). Se intentó distribuir la película como una comedia y se cortaron muchas de las escenas gore, eventualmente añadidas en la versión Uncut. El fajo de billetes que carga Duane era supuestamente el dinero de producción del que disponía Henenlotter para hacer la película.

La respuesta del público a la película fue moderada al principio, pero fue ganando su fama hasta convertirse en objeto de culto de grandes ligas como las series de Phantasm, Evil Dead o Re-Animator. En 1990 Basket Case 2 refrescaría las memorias de los aficionados para más tarde completarse con Basket Case 3: The Progeny. No he tenido oportunidad de ver las secuelas, pero las buenas lenguas auguran más diversión, más deformes y más gore, por lo tanto esperen una reseña completa de esta trilogía.

Con todo y sus errores y la manera amateur en la que está filmada, Basket Case es una midnight movie por excelencia que nadie debería tomarse en serio. Algunas personas la detestan porque los hace sentir incómodos, y en efecto, no es para todos, la recomiendo para personas acostumbradas a este tipo de filmes y definitivamente NO para menores de edad. Una vez más, un realizador nos demuestra su amor por determinado tipo de cine al que todos le hacen el feo. Un homenaje que por su cuenta ha creado una nueva generación de aficionados al cine gore y si gustas de este género, es indispensable que consigas Basket Case, disponible en DVD por Something Weird Video, compañía dedicada a rescatar películas extrañas donde trabaja el mismo Henenlotter.

Society

Posted in Terror de Autor on febrero 5, 2009 by alienzombie

Los fanáticos de Stuart Gordon y su constante colaborador Brian Yuzna estarán de acuerdo que se trata de dos caballeros que a la hora de desencadenar los efectos más desagradables, exagerados y gore, dejan todo correr sin restricciones ni tabúes. Todo lo que sea necesario para asquear al espectador se produce en los filmes de estos señores con una particular mezcla de terror y farsa.

Brian Yuzna ayudó a la producción del clásico ochentero, Re-Animator, y siguió la saga con otras dos películas. Dio continuidad a Return of the Living Dead dirigiendo la tercera parte, y por su lado, creó las dos entregas de The Dentist. Aunque casi siempre aparece como productor, sus películas están caracterizadas por exageradas cantidades de gore y viscosidades rodeadas de personajes virales. Como muchos de sus compañeros, Yuzna es considerado un maestro del género y sus trabajos de “culto”.

En 1989 después de regir  como productor al lado de Stuart Gordon, Yuzna se aventó a dirigir un guión firmado por Rick Fry y Woody Keith, quienes volverían a firmar guión para Dementia y Bride of Re-Animator. El filme se el debut como director de Yuzna, y posiblemente el que le dio renombre como creador individual. Una cinta influenciada por Rosemary’s Baby, The Spiral Staircase y las pinturas de Salvador Dalí (en palabras del director).

Billy Warlock es un estudiante común y corriente que tiene prácticamente la vida resulta. Su único problema es la relación con su familia, de la cual, está casi seguro no ser un miembro original. Residiendo en Beverly Hills, Billy no se siente cómodo con la clase alta. Sus padres y su hermana actúan diferente a él, haciéndolo sentir un paria y no pasará mucho tiempo para que Billy descubra anomalías físicas en la sociedad burguesa que lo rodea.

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Las sospechas inconclusas de Billy tomarán forma cuando David el ex novio de su hermana le presenta una grabación de su familia haciendo… cosas desagradables. Las cosas se complican cuando David es asesinado en un supuesto accidente. Las personas que rodean a Billy tal vez no son lo que aparentan, así que el joven decide investigar por su cuenta con la ayuda de su amigo Milo y la sexy Clarissa.

Las mutaciones se pusieron de moda con la llegada de la Nueva Carne. En filmes como Altered States, The Thing, Videodrome, An American Werewolf in London y From Beyond las transformaciones del cuerpo humano en criaturas desagradables, biónicas u orgánicas se despliegan con los efectos más sofisticados de la época. Society se une a este estilo con las desagradables mutaciones que sufren algunos de los personajes.

Los monstruos aquí son distintos a cualquiera que se haya visto en otra película. Muestran clara influencia de otros filmes dentro de la Nueva Carne (sobretodo de From Beyond) y también recuerdan a las descripciones de un relato de Lovecraft. La imaginación del encargado de efectos especiales, serviría de base para filmes posteriores como Braindead o Slither donde los homenajes son obvios. La escena final no tiene comparación, y muchas personas la encuentran perturbadora. En lo personal, me pareció de lo más divertida y muy bien ejecutada.

El filme en sí es considerado una descarada crítica a la alta sociedad. Las alegorías son obvias e incluso exageradas orillando al filme a la farsa, pero manteniendo cierta verosimilitud para darle más fuerza a lo fantástico. Tal vez a algunos pueda parecerles ridículo, pero la película no es de esas que se toman en serio (la gente que sí lo haga se decepcionará). Lo que es obvio es la representación grotesca que nos da Yuzna de la burguesía, denunciando la hipocresía, la discriminación y la importancia del status social.

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El misterio durará toda la película hasta que lleguemos al clímax, mas o menos unos 20 minutos antes del final. El suspenso de pronto se pierde, las situaciones dejan de intrigarte en momentos, aunque siempre estás a la espera de descubrir la verdad. Yuzna también metió desnudos (como es típico en sus filmes), escenas con humor y partes que parecen sacadas de una teen movie, para poder mantener al espectador envuelto en la trama.

En cuanto a lo grotesco, Society cuenta con una de las secuencias más memorables en la historia del cine de género, considerando que fue hecha a finales de los ochenta despidiendo una época de excesos, frivolidad y FX excepcionales. Al mismo tiempo, anunciaba la llegada de los noventa donde los niños ricos serían prácticamente los seres dominantes del planeta, pero también los más grotescos, primitivos y mejor camuflados bajo la máscara de la sociedad.

Como si el status social fuera un tema de selección natural, Society aboga por la supervivencia del más débil, a los ojos de la sociedad, el menos adaptado. Los seres superiores son los que tienen un auto último modelo y una casa con piscina en Beverly Hills. Los seres inferiores tienen un papel determinado: comida, alimento para los más fuertes, los cuales pueden patearlos, humillarlos y prácticamente hacer lo que se les dé la gana. Sin embargo, el factor “humano” siempre interviene para bien (o para mal).

Muchas películas manejan el tema de la conspiración relacionado a cultos o grupos de marginados o parias que buscan destruir determinados sectores dentro de una sociedad. En Society es totalmente lo contrario, la conspiración la hacen las personas de poder y de dinero, tal vez otra crítica a grupos extremistas o a las llamadas sectas secretas que de alguna manera influyen en asuntos que les incumben. Es una película llena de elitismo.

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Finalmente, ligado a todo el contexto social, interviene también el tema de la adolescencia, de tomar decisiones, de pertenecer, de tener una identidad, de ser independiente, sobretodo de sentirte fuera de la sociedad o del vínculo familiar. En parte narra la búsqueda de un joven por su individualidad y libertad de opinión y decisión en una sociedad que le dice “es normal sentirte así” y lo priva de explicaciones haciéndolo menos por su edad y falta de experiencia.

Con todo y ser considerada un clásico de culto, este filme no cuenta con alguna edición decente en DVD, algo que se me hace extraño considerando la expansión de este mercado y la reciente popularidad que gozan este tipo de películas. Sea como sea, en nuestro país es imposible de conseguir a menos que sea por encargo, y ni se molesten en ir al videoclub porque tampoco la van a encontrar.

Para finalizar, Society es uno de los filmes más bizarros, divertidos e irreales que verás en tu vida, y si no, pues al menos podrás apreciarla por sus increíbles efectos especiales y de maquillaje, aparte del mensaje que aunque se exponga de manera burlona y grotesca, es nada más que la verdad; las sociedad más desarrolladas son las más primordiales también. Un filme que vale la pena buscar debajo de las piedras o preguntar y preguntar por él hasta volver loco al gerente de Mix-Up (já). Sólo recuerden tener un estomago vacío al verla.

Scream (1996-2000)

Posted in Terror de Autor on enero 27, 2009 by alienzombie

Escrito por: Nightmare Boy

LA TRILOGÍA REDENTORA DE SCREAM

Hablemos un poco de Halloween, aquel filme de 1978 que celebraba la matanza justo cuando un grupo de muchachos celebraba una tradicional noche de brujas; aquel filme catapultó las carreras de John Carpenter y la actriz Jamie Lee Curtis pero lo más importante, lanzó a la fama el slasher film, subgénero del gore que creó una corriente cinematográfica: el blood teenager explotation, en que un grupito de jovencitos mafufos y farolones son destazados por un asesino enmascarado motivado por la ley del Taleón: ojo por ojo, y de paso, una pierna, brazos, cabezas y alguna que otra tripa.

            Recordemos Friday the 13th, aquel slasher que de hecho exhibió gore en cantidades industriales para la pantalla de cine comercial y es el responsable de inaugurar una escalada de películas de horror sangrientas cuyo éxito comercial es indudable. No dejemos atrás el clásico The Texas Chainsaw Massacre de Tobe Hooper y el primer slasher oficial, Black Christmas de Bob Clark, que ya profanaba una celebración norteamericana por excelencia mucho antes que el filme de Carpenter, hiciera lo propio con el día de brujas.

            A ello sumémosle el éxito arrollador de A nIghtmare on Elm Street de Craven, que creó uno de los íconos de terror contemporáneos más importantes: Freddy; el culto a películas menos famosas como Prom Night de la que ya hemos hablado en este blog, Sleepaway Camp, The Funhouse, motivo de otra discusión en este espacio, y otras tantas películas canadienses que hallaron distribución vía productoras norteamericanas como Happy Birthday to me o My Bloody Valentine.

            Toda esa corriente creó un merchandising tremendo en torno al género que aún continúa: juguetes, máscaras, convenciones, dvds, entre otras cosas. ¿Qué sucedió? ¿Por qué es necesario este breve recuento? Porque el slasher, de tanto explotarse, promovió su propia muerte. Para finales de los 80, había una proliferación de películas de este tipo, en su mayoría secuelas que pretendían repetir el éxito de sus predecesoras. La industria, pero más que nada, el público, se cansó de la misma fórmula.

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            Al género se le dio por muerto un tiempo pero entonces, en 1996, surgió un nuevo paradigma del terror juvenil que sirve como parteaguas entre el terror contemporáneo de los ochenta y noventa, al tiempo que funciona como brecha generacional: el responsable de reavivar la llama es el maestro Wes Craven; la película: Scream. Las nuevas generaciones ya conocemos el esquema de manera que ahora, Craven y el guionista Kevin Williamson nos hacen el último giro de tuerca al género: precisamente, jugar con el género dentro del género y así, establecer nuevas reglas.

            La escena es en esencia, convencional. Nos instalamos en un lugar seguro, la casa de Casey (una sexy Drew Barrymore); la chica, preciosa como pocas, inocente como muchas pero con un toque de coquetería, se prepara para ver una película de terror. En el momento, recibe una llamada que en principio, parece equivocada; el coqueteo con el chico al otro lado del teléfono se vuelve pesadilla cuando éste revela sus negras intenciones: ver el interior de Casey.

            Aquél espacio de seguridad se vuelve la jaula de oro de la que nuestra heroína no podrá escapar. Previo a la persecución, Craven nos muestra en elegante plano secuencia el espacio escénico que el personaje se ha encargado de cerrar con llave. Ella sola se ha puesto la soga al cuello. No obstante, el verdadero giro lo tiene el asesino cuando le brinda a Casey una oportunidad de sobrevivir: debe aceptar un juego, algo fácil, algo que quien se precie de ser fanático, debe pasar, una trivia de cine de terror.

            Craven y Willamson nos muestran aquí que tipo de filme veremos al no negar sus influencias. Nos lo dicen implícitamente en el diálogo: ya conocen todas las slasher ochenteras, pues bien, ahora digan que harían si están estuvieran en una situación como esa. Ese es el reto de Casey, a quien traiciona el nerviosismo, por ende, encuentra una muerte gore: el destripamiento. Esa es la regla que dicta este nuevo cine de terror, el espectador y el personaje debe conocer las reglas del cine y además, las expresiones de cultura popular más recientes pues de lo contrario, su destino será morir en manos de alguien experto en la materia.

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            Después del preámbulo en donde Craven presentó a la figura importante de su filme, el asesino y sus modos de operar, dibuja una serie de personajes tópicos en el casi del slasher: ahí tenemos a Sydney, la chica mojigata pero con dejos de sexy, cuyo pasado la atormenta; Tatum, la mejor amiga que además, es toda una bitch, Billy, el novio comprensivo pero deseoso de sexo, por ello presiona a Sydney hasta el límite, Randy, el nerd escolar cuya especialidad es el cine de terror clásico, y su función es poner de manifiesto todas esas reglas que Scream utiliza pero también pretende desafiar y Stu, el típico borracho pesado, castroso y bobalicón pero con algo de desquiciado.

            He ahí la camada de adolescentes prototipo que enfrentarán al asesino. Junto a ellos esta Gale Weathers, una reportera amarillista que anda tras los pasos de Sydney. Ella representa los medios de comunicación que en nuestros tiempos están ávidos por la nota roja y finalmente, Dewey Riley, el policía honesto pero francamente ineficaz, como casi todo el cuerpo policiaco. Todos enfrentan al asesino pero de un modo diferente al slasher genérico. Prácticamente se burlan de él. El castigo: la muerte.

            Así pues, el asesino con un retorcido gusto por las películas de terror empieza la matanza en Woodsboro para dar con la heroína Sydney Prescott, cuya madre fue violada y asesinada unos años atrás. El presunto asesino ha quedado libre y por ello se sospecha que haya muertes relacionadas con ella y la muerte de su madre. El motivo, desde luego, es una venganza.

            Antes de acabar con Sydney, el matón asesta algunas cuchilladas a sus amigos: Tatum, quien antes de morir se burla de él; ¡Es aquí cuando debo gritar y correr por mi vida! dice ella antes que una cortina eléctrica la parta en dos; raja el cuello del camarógrafo de Gale y se carga a Stu con una serie de cuchilladas estomacales.

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            Es la heroína quien debe matarlo pero antes, justo cuando Randy anuncia que la chica virgen siempre salva el día, ella pierde la virginidad con Billy; se trata de voltear esas reglas a favor de un público que las conoce y sabe que en la actualidad, ya no funcionan, por ello que se les parodie Incluso en el final, cuando el asesino muere y se plantea la posibilidad de su regreso de la muerte, Sydney le mete un balazo en la cabeza.

            Las posibilidades se amplían con la llegada de la secuela. Sabiendo que ahora las películas de terror se producen en serie y, además, que Scream es una franquicia rentable, Williamson y Craven repiten la mancuerna en Scream 2. En esta, cuyo argumento es motivado de nueva cuenta por la venganza, arrancan con una situación de lo más ordinaria, al igual que en la primera: dos novios van al cine. Se preparan para ver Stab, película inspirada por los asesinatos de la primera parte.

            Maureen (Jada Pinket Smith en un papel especial como el de la Barrymore), explica a su novio (Omar Epps, el famosos Foreman de Dr. House) su temor por las películas de terror y de cómo es inservible asustarse. De paso, crítica a la historia del cine terrorífico por discriminar a la población afroamericana. Acto seguido, ambos novios son asesinados en plena sala de cine por alguien cuya identidad no se específica pues todos los asistentes visten un traje igual al del asesino de la película. Craven nos dice que el mal no viene de afuera, esta en nuestra sociedad, cualquiera puede ser el asesino y así lo dice Randy, personaje que vuelve para establecer nuevas reglas, las que aplican a toda secuela.

            Así pues, el asesino se muda al Windsor College donde estudia Sydney para vengarse de ella. Su identidad ha cambiado pero el disfraz es el mismo: un traje negro y máscara simulando un grito. El motivo ahora es vengar la muerte de Billy y para ello asesina a gente relacionada con Sydney pero también ligados de algún modo con las víctimas de la primera parte: en alguna secuencia, Cici (Sara Michelle Gellar sin actitudes de cazavampiros) es aventada desde el techo de su fraternidad solo porque su nombre es igual al de Casey Becker, quien fuera asesinada en Woodsboro.

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            La matanza no se hace esperar, de nuevo esta dibujado el puñado de personajes que sirven como carne de cañón pero aquí lo interesante es como Craven mueve las sospechas de un personaje a otro, así, nos hace creer que Tomy, novio de Syd, es el responsable pero en el medio, nos enteramos que Cotton Weary, el sospechoso de asesinar a la madre de Syd ha vuelto y podría querer venganza.

            El tono autoparódico esta presente. Craven asume el compromiso que significa hacer una secuela, asume también el peligro en el que se adentra; pone de manifiesto a través de un diálogo en una clase de cine, que las segundas partes nunca fueron buenas salvo excepciones a la regla como el Padrino II (¡la excepción que ganó el óscar!, dice Cici). Por otro lado, asume que para continuar con éxito una historia, debe poner a todos sus personajes principales en peligro, no solo aquellos que sirven para matar. Así, decide sacrificar a Randy en aras de la sorpresa.

            Sin embargo, la mejor vuelta de tuerca vino con Scream 3; ya sin Williamson en el proceso de guión, Craven contrata a Ehren Kruger, responsable de adaptar The Ring y escribir The Skeleton Key. Con él lleva la historia al nivel de su antaña The New Nightmare: traslada la acción a los estudios cinematográficos en donde se filma Stab 3, otra adaptación de las muertes anteriores. De nuevo, juega con el cine dentro del cine, incluso, construye Woodsboro al interior de un estudio, lo que una vez fue set lo es ahora dentro de otro set.

            El asesino comete sus barbaridades con los actores de la película; en cada asesinato, deja una foto de  la madre de Syd, obligando a esta última a salir del anonimato en el que vive para acabar con la matazón de una vez por todas. No obstante, ese personaje se deja descansar pues como público, sabemos que Syd y el asesino habrán de enfrentarse. Lo interesante es saber el por qué de las muertes. Craven despliega toda una investigación en manos de Dewey y Gale, intensificada por la presencia de ese delicioso personaje interpretado por Parker Posey, la doble de Gale, quien la sigue a todas partes.

            Lance Henriksen hace las veces de productor abusivo y explotador, Carrie Fisher aparece parodiando sus tiempos de gloria como la princesa Leia y para fortuna de nosotros, Randy regresa, a través de un video, para dictar las reglas de una trilogía: básicamente, en una trilogía cualquier cosa puede suceder, incluso, pueden regresar aquellos que se creían muertos. Así pues, el pasado de Syd regresa para enfrentarla; los errores de su madre han provocado una escalada de muerte que la ha llevado a enfrentarse con… esa es una respuesta que no daremos pues aunque muchos seguro han visto la trilogía, no es justo revelar el final de una trilogía que redefinió el terror de los noventa.

            La industria vio como un público nuevo se volcaba sobre Scream y decidieron dar luz verde a nuevos proyectos del mismo corte. Algunos fueron buenos. Aprovechando su éxito como escritor, Kevin Williamson hizo el guion de las grandiosas I Know what you did last summer y The Faculty, y dirigió el mismo Teaching Mrs, Tigle, aunque en ese rubro no fue tan afortunado. Jamie Blanks, un director novel, realizó Urban Legend, slasher sencillo pero efectivo y se renovaron las franquicias de Michael Myers, Freddy Krueger, Leatherface y pronto, el remake de Friday the 13th (Dios nos ampare), y otra camada de títulos, unos más buenos que otros.

            Recientemente, en HorrorMovies.ca, se anunció que la cuarta parte de Scream ya esta en camino y sería dirigida por el mismo Craven. Unos meses antes, se había anunciado que no se revitalizaría la franquicia gracias a la negativa de Neve Campbell para volver. Esperemos que no se haga la cuarta entrega, porque a pesar de tratarse de una serie rentable, el final quedó bien cerrado como para sacar algún argumento de la manga y continuar con la saga. No obstante, su valor como película de terror es innegable. Para el género, es y será una referencia histórica.

            Me despido, no sin antes pedir, a nombre de todos los colegas que trabajamos en Terrorífica Nostalgia, que cualquier información que deseen tomar de nuestro blog, no lo hagan sin antes referir un link hacia nuestro espacio. Y si uno de los colegas que aquí escribe no se anima, entonces un servidor entregará próximamente una reseña de Urban Legend. Hasta la próxima.

The Howling

Posted in Terror de Autor on diciembre 22, 2008 by alienzombie

La película de hombres lobo por excelencia según muchos fanáticos del género que han seguido de cerca a los peludos y poco amigables protagonistas habitantes de la pantalla desde los gloriosos años de la Universal, pasando por la Hammer (aunque sea un solo título) y un montón de título buenos y malos. Sin embargo, el film que reseñamos fue el encargado de renovar la mitología de los licántropos ya que llegó a rincones nunca antes alcanzados, sobretodo en el campo de los efectos especiales y el look de las criaturas.

The Howling es un film citado tanto en libros como en sitios de Internet, y es una película de la que se ha dicho mucho así que trataré de sintetizar y no sonar repetitivo, pues muchos fanáticos del género están familiarizados con ella. Para empezar podemos decir que la película está basada en la novela homónima de Gary Brandner, un escritor norteamericano de terror que publicó una trilogía de libros sobre licántropos. Aparentemente la saga de películas tiene poco que ver con sus novelas.

Las malas lenguas dicen que la película no le hace justicia a la novela, y haya o no variaciones dramáticas, la trama vendría siendo la siguiente. Karen White es una reportera que  tras un fatal encuentro con un asesino serial, es enviada a una aislada colonia de reposo para poder recuperarse del trauma con su esposo Bill. La comunidad al principio parece un lugar ideal para descansar (incluso con sus pintorescos habitantes) pero eventualmente empezará a enseñar su verdadero rostro. Es todo lo que puedo revelar de The Howling, lo demás está en la película y creo que es obvio.

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El guionista es John Sayles, quien se encargó de otras monster movies clásicas como Alligator y Piranha, aparte de dirigir y actuar (en The Howling tiene un breve cameo como el encargado de la morgue). En la silla de director tenemos a Joe Dante, el responsable de los Gremlins, Piranha, Innerspace y Small Soldiers. Su trabajo se reconoce por un estilo caricaturesco, chusco y lleno de homenajes a sus ídolos de la niñez. Es uno de esos directores ahora considerados de culto por su manejo de lo fantástico y probablemente fue The Howling la película que resaltó sus talentos al público (aunque él no era el director original).

El cast está plagado de los amigos y héroes de Joe Dante que casi siempre aparecen en sus películas. Por ejemplo, tenemos a Dick Miller (A Bucket of Blood), Kevin McCarthy (Invasion of the Body Snatchers), Robert Picardo (Gremlins 2: The New Batch), Roger Corman, John Carradine, en fin, muchos rostros se repetirían en las siguientes películas de Dante. En el papel protagónico tenemos a nada más y nada menos que Dee Wallace, una actriz de género por excelencia que interpreta un papel muy dramático y melancólico. Christopher Stone interpreta a Bill y volvería a compartir créditos con Wallace en Cujo. Por cierto, muchos de los personajes llevan nombres de directores de películas de hombres lobo en obvio homenaje de Dante.

Quizá el aspecto que la gente más recuerda de una película como esta, son los efectos especiales, y no me refiero a exagerados monstruos creados por computadora como ahora. Me refiero a verdaderos efectos, y es que The Howling fue y siempre será un film pionero y visionario en el aspecto de las criaturas y sus metamorfosis. El señor a cargo de convertir un ser humano en un demoníaco licántropo bípedo de dos metros de altura, fue Rob Bottin un maestro en ilusiones con látex y goma que también se ganó los aplausos por su trabajo en The Thing.

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Rick Baker originalmente era el encargado de los efectos especiales, pero abandonó el proyecto para trabajar en otra película de hombres lobo, An American Werewolf in London, también de 1981 y también aplaudida por sus efectos especiales. Siempre se ha mantenido un debate entre estas dos películas, acerca de cual le copió a cual, cual da más miedo, cual es la original, pero la verdad, lo único que tienen en común son la renovación de las bestias y los homenajes a las viejas películas de licántropos. Joe Dante y John Landis trabajarían juntos en Twilight Zone: The Movie demostrando no tenerse resentimientos algunos.

Pasando a las transformaciones, son sinceramente, de las más notables y realistas que jamás se verán en una película de este tipo. Hoy es común esperar una transformación decente en alguna película genérica de hombres lobo, pero en aquel entonces ese terreno era algo poco explorado y menos desarrollado. A partir de las técnicas de Baker y Bottin, las películas de hombres lobo tomaron un giro hacia el lado de los efectos especiales asombrosos y el gore, una parte de la llamada “nueva carne” desatada por Ken Russell y David Cronenberg, o sea, la transformación del ser humano en una criatura primordial o futura.

Aunque los efectos son la parte más asombrosa del film, y por lo tanto la que causa más sensaciones en el espectador. No podemos ignorar la genial ambientación creada por Dante en la colonia, este espeso bosque con verdes concentrados y altísimos árboles de cuento de hadas junto al mar, totalmente alejado de la civilización. La locación es un poco exagerada y fantástica como en The Company of Wolves de Neil Jordan, otra de hombres lobos. También los personajes resultan buenos elementos para acentuar la situación de misterio, la mayoría de ellos personas comunes que mantienen una conspiración, un secreto inimaginable para los protagonistas, creando una atmósfera de suspenso muy bien lograda.

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El aspecto de los hombres lobo es en verdad aterrador, y de hecho hasta de una resemblanza demoníaca lo cual ayuda a darle cierta mitología al personaje que se maneja rompiendo algunos clichés impuestos por cintas anteriores. También llamados Shapeshifters, el término resulta más antiguo y especifico cumpliendo el gol que Dante buscaba: mezclar la modernidad con lo antiguo, la razón con la creencia, lo civilizado con lo salvaje y ultimadamente, el bien contra el mal, algo que puede derivar de la novela misma, aunque no estoy en posición de opinar, pues no la he leído. Sea cual sea la analogía, The Howling refresca con su manejo de lo oculto y lo sobrenatural de una forma casi pagana pero presente hasta en las personas más racionales. De hecho, estoy casi seguro que fue la película que introdujo el aspecto sexual en la licantropía.

El éxito de la cinta se encontró peleando con la cinta de Landis aunque ambas eran de Universal, sin embargo, The Howling desarrolló su propio camino hasta convertirse en una saga con continuaciones sumamente inferiores a la original. La combinación de sexo y violencia del film de Dante fue sobre explotada en las continuaciones que llegan hasta la séptima entrega (a mi me bastó con la segunda) y carecen de los efectos especiales, el guión, la dirección y las interpretaciones, o sea, pura explotación. También existen los pequeños rumores del posible remake que sufriría la cinta en estas épocas de rehacer clásicos. Por suerte son sólo rumores menores y confieso que me he mantenido atento por si cualquier cosa se da. Ojalá no pase nada.

Para finalizar y antojarles la cinta, muchos fanáticos la consideran la mejor película de hombres lobo (incluso mejor que The Wolf Man) y una de las mejores películas de terror. Cada quien tendrá su opinión, y la mía se resume en que es una película sin igual e incluso un poco extraña aunque el ritmo a veces se torne medio pausado, después de ella ninguna ha sido igual, contribuyó muchísimo al terror por medio de algo salvaje, es una lástima que Joe Dante se desvió un poco del camino, pero aún así nos entregó cosas buenas. En fin, puedo concluir con que The Howling es un título obligatorio que dejará boquiabierto hasta al más escéptico. Un ejemplo maravilloso de lo que solían ser las buenas películas de terror que innovaban, imponían y pasaban a la historia para convertirse en clásicos. Por favor, no se la pierdan.

P.D. En nuestro país le pusieron Aullido y se puede comprar y rentar fácilmente.

The Funhouse

Posted in Terror de Autor on noviembre 10, 2008 by alienzombie

Escrito por: Nightmare Boy

The Texas Chainsaw Massacre es una película citada en importantes libros dedicados a reseñar la historia del cine de terror. Pese a su origen independiente y en cierto modo clandestino, se volvió un éxito económico. Aún se programan proyecciones de la cinta en cine clubes; en suma, un filme de referencia obligada. Tan obligada que honestamente, ya tiene escarceos con lo que llamamos choteado. Revisemos entonces otra película del mismo director sobre la que casi nadie ha escrito.

            Tobe Hooper, ese gran director a quien junto a Wes Craven y John Carpenter, debemos la creación de terror de autor, ha realizado más de una obra memorable pero también, alguna que otra curiosidad. Gracias a The Texas Chainsaw Massacre, el slasher se afianzó en el gusto popular y creo una explosión de filmes que para los ochenta aumentarían exponencialmente, tanto que habría de buscar nuevas formas de hacerse novedoso. De eso se trata The Funhouse, una curiosidad filmada sobre las bases del slasher puro, pero cuyo fondo chorrea sarcasmo.

            No es de extrañar que Hooper haya buscado con este filme repetir el modelo que le dio la fama y que para ese entonces (hablamos de 1981) era el único que dominaba con maestría. Pero en el afán de no hacer una copia al carbón de su ópera prima, le añade el tinte paródico en el que pronto cayó el género; ello le resta seriedad a todo el asunto.

            Así pues, The Funhouse narra la historia de cuatro jovenzuelos, Amy, Buzz, Liz y Richie, un grupo de amigos que deciden irse de juerga a la feria del pueblo, cuya mala fama la precede: la misma feria se ha presentado en varios pueblos aledaños y en todos han desaparecido jóvenes. Como pleno acto de rebeldía y desobediencia, más que por querer experimentar aventura, tienen la ocurrencia de ocultarse en la casa de la risa (la funhouse del título) que, irónicamente, es la casa de los horrores.

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            Horrores son los que sufrirán al quedarse encerrados. Luego del infaltable faje en que Amy, la heroína, pierde la virginidad, los cuatro presencian el asesinato de Madame Zena, vidente farsante de la feria, quien otorga sus favores al hijo de The Barker, dueño de la atracción. Este último, al percatarse que ha habido testigos, cierra el lugar y ordena a su hijo, en realidad un fenómeno de cara horrenda y por ende pariente indeseable, asesinar a los muchachos.

            Ni tardos ni perezosos, los chicos buscan una salida pero obvio, no la hay. Como es costumbre, su rebeldía es castigada con la muerte. ¿Qué más puede presentar Hooper en este contexto? El resto del filme se va en la persecución aburrida del monstruo, a quien conocemos como autor de todos los crímenes cometidos en cada lugar donde la feria se ha parado. No hay violencia como recurso de tensión, no hay atmósferas inquietantes y uno espera ansioso la muerte de los jóvenes, que no es tan sangrienta como otrora lo fuera esa masacre en Texas.

            Sí, la película es aburrida pero Hooper es consciente que su anécdota no tiene tela para cortar. Entonces recurre al mejor recurso: las referencias a otros filmes y la burla de sí mismo. Desde esa secuencia inicial en la que reproduce el punto de vista empleado por Carpenter en Halloween, y la escena de la bañera igualita a la de Psicosis. Justo cuando el asesino con máscara de payaso encuentra a la chica desnuda en la bañera, Hooper diluye el suspenso en una broma pesada perpetrada por el hermano menor.

            Luego, para ser más referencial, monta un espectáculo de fenómenos que en mucho recuerda a Freaks de Tod Browning con la diferencia que aquí son animales y un feto deformado; remata con el show de magia de un maguito que sacrifica a una mujer como lo hiciera Montag en sus espectáculos de la sanguinolenta Wizard of Gore, claro, la escena de Hooper perdona a la chica, quien sale ilesa por ser miembro del espectáculo. Sobra decir que la sangre es poca. Uno queda decepcionado.

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            Si bien no podemos esperar que Funhouse sea una reminiscencia de su primera película, podemos esperar la creación de atmósferas gracias a la tenue iluminación  y fotografía granulosa. No obstante, el escenario de este filme es más bien artificial; dado que Universal Pictures se apropia de Hooper como director de franquicias narrativas, le otorga presupuesto para un filme de terror en donde todo se vuelve valor de producción que debe mostrarse.

            Lo que en The Texas Chainsaw Massacre funcionaba como aspecto deformante, la fotografía sucia, escenarios realistas por tratarse de locaciones, actuaciones que rayan en la locura, aquí, gracias al presupuesto, se convierten en detractor. La fotografía es limpia, todo bien iluminado, la cámara registra cada detalle de la casa del terror, el maquillaje del monstruo es perfecto. Todo es tan perfecto que se ve artificial, Hooper olvida generar tensión, no hay terror, no hay sangre y el espectador rápidamente deduce que el director debió moverse en los territorios del cine independiente, donde muestra su verdadera libertad creativa.

            En The Funhouse hay alarde de técnica cinematográfica pero como quien dice, a Tobe Hooper se le durmió el conejo en la chistera. Los buenos planos secuencia como el del inicio y buenas referencias al género, chicas desnudas al estilo Russ Meyer incluidas, se pierden porque el relato es aburrido, las secuencias de terror planas, los personajes de trazo grueso se desdibujan, incluida Amy, la chica virgen que debió morir, no por tener sexo, sino porque su presencia no aporta más que lloriqueos ensordecedores sin ninguna marca dramática.

            No todo es malo y tampoco culpa de Hooper. El mismo director resalta que nunca pudo acabar la película a su entera satisfacción porque solo disponían de dos semanas y tuvieron un retraso de siete días debido a dificultades técnicas y de administración de dinero; muchas cosas que se disponían a filmar quedaron fuera. De ahí que Eduardo Guillot en Escalofríos: 50 películas de terror de culto explique que la película parece no estar terminada del todo.

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            Así, el director incluye personajes prototípicos además de los muchachos; la viejita loca que les advierte sobre los horrores que encontrarán, el borracho, las figuras paternales como modo de establecer ciertos límites, el hermano de Amy como representación de la inocencia perdida y de nueva cuenta, esa secuencia que hace obligatoria la mención de Funhouse en conversaciones sobre cine de terror, pues supone la burla a todo el filón de slashers surgidos en los ochenta y cuyo modelo sigue vigente.

            Aunque para muchos es uno de sus grandes trabajos en el género antes de entrarle de lleno a la industria con Poltergeist (1982), su estatus de director de culto no debe cegar al espectador ante una película que aunque efectiva en términos discursivos, tiene su mayor tropiezo en la parte narrativa. La efectividad de su filmación la hace aceptable para cualquier fanático, pero como terror puro, no alcanza el relieve de otras películas. Aceptémoslo: no todas las películas de terror tienen la ventaja de ser escalofriantes hasta la médula. No es el caso de The Funhouse. Es una mera curiosidad cinematográfica destinada a funciones de media noche pero nada más.